Les voix de la Terre

Quelle expression étrange, quand on y pense !
Comment peut-on parler d’une seule “musique” alors qu’il s’agit de milliers de traditions, de styles et de cultures différentes ?
Ce terme semble vouloir rassembler toutes les musiques venues d’ailleurs, comme si le monde entier chantait d’une seule voix. Et pourtant, derrière cette appellation un peu vague, on découvre une immense diversité de sons, d’instruments et de rythmes, venus de tous les continents.

C’est fascinant : la “musique du monde”, ce n’est pas seulement une catégorie musicale, c’est une rencontre entre les peuples, un dialogue sans frontières.

L’expression “musiques du monde” désigne en réalité toutes les formes musicales issues de différentes cultures et traditions à travers la planète, une sorte de rencontre sonore entre les peuples.

L’origine et l’évolution de l’expression musiques du monde

Le mot Weltmusik, qui signifie “musique du monde” en allemand, est apparu pour la première fois en 1906, sous la plume du musicologue Georg Capellen. Il rêvait alors d’un renouveau de la musique occidentale, qu’il imaginait possible grâce à des emprunts à des sonorités dites exotiques ou orientales.

À partir des années 1960, les ethnomusicologues ont commencé à utiliser le terme anglais world music pour parler des musiques traditionnelles propres à chaque pays ou région, qu’elles soient classiques, savantes ou populaires.

L’expression « musiques du monde » s’est réellement popularisée dans les années 1980, lorsque des artistes occidentaux célèbres comme Peter Gabriel, Paul Simon ou Sting ont commencé à intégrer des éléments non occidentaux dans leurs créations. Ce métissage musical est né à la fois d’une curiosité artistique et des nouvelles technologies, comme l’échantillonneur, capable de reproduire les sons d’instruments venus d’ailleurs.

Au fil du temps, d’autres appellations ont vu le jour : musiques exotiques, musiques ethniques, world beat, ethno pop, ou encore global sound. Ces termes témoignent du mélange croissant entre traditions locales et influences modernes comme le jazz, le rock ou la pop.

En 1985, lors d’une réunion à Londres, plusieurs producteurs  ont officialisé le concept marketing de la world music, destiné à promouvoir sur le marché occidental des musiques venues d’autres cultures. Rapidement, les disquaires ont utilisé cette étiquette pour classer à la fois des artistes traditionnels et des musiciens contemporains métissés, ce qui a entretenu une certaine confusion entre ces deux univers pourtant complémentaires.

Dans le monde francophone, l’expression a été traduite par « musiques du monde » ou « sono mondiale ». Cette dernière, popularisée dans les années 1980 par les journalistes, désignait le métissage des influences et la mondialisation du patrimoine musical. Paris a d’ailleurs joué un rôle central dans cette ouverture, en accueillant de nombreux artistes venus de divers horizons.

Aujourd’hui, le terme « musiques du monde » englobe à la fois les traditions musicales ancestrales et les créations hybrides issues de la mondialisation, témoignant de la richesse et de la diversité culturelle qui caractérisent notre époque.

Finalement, derrière cette appellation se cache bien plus qu’une étiquette musicale : c’est une histoire de voyages, de rencontres et de métissages entre les peuples.

Les voix du monde, une seule mélodie

les musiques du monde ne sont pas simplement une catégorie musicale : elles représentent la rencontre entre les cultures.
Nées d’échanges, de voyages et de métissages, elles montrent que la musique n’a ni frontières ni langue.
Ce terme, à l’origine purement descriptif, est devenu le symbole d’une ouverture artistique et humaine, où les traditions dialoguent avec la modernité.
Finalement, parler de “musiques du monde”, c’est célébrer la diversité sonore de notre planète et reconnaître que, partout, la musique reste un langage universel qui relie les peuples.

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Des racines portugaises à une reconnaissance mondiale

L’histoire commence en 1879, lorsqu’un navire portugais en provenance des îles de Madère accoste à Hawaï, transportant des travailleurs agricoles venus cultiver la canne à sucre et l’ananas. Parmi eux, João Fernandes ne se sépare jamais de sa petite guitare portugaise à quatre cordes appelée machete , également connu sous le nom de braguinha .

Les sonorités vives et inédites de l’instrument captivent rapidement les Polynésiens, jusqu’à séduire le roi David Kalakaua, dernier souverain du royaume d’Hawaï. Musicien lui-même, il adopte l’ukulélé et contribue à l’intégrer à la musique traditionnelle de l’archipel. Le ukulélé se voit alors honoré d’une couronne gravée à l’extrémité de son manche, symbole de sa reconnaissance royale.

Commence dès lors une véritable épopée musicale : celle d’un petit instrument appelé à porter, bien au-delà des rivages hawaïens, un esprit de fête et de légèreté qui conquérira le monde.

L’ukulélé « puce sauteuse » en hawaïen

Petit et relativement facile à prendre en main, le ukulélé séduit particulièrement les musiciens débutants. On le tient contre la poitrine, on pince les cordes le long du manche et on les gratte avec la pulpe du pouce ou le dos des doigts. Surnommé « uke », il dégage une sonorité unique qui se marie harmonieusement avec d’autres instruments à cordes, ce qui explique sa présence dans des genres variés, du jazz et de la country à la pop, au rock, et dans les musiques du monde entier.

Le ukulélé, proche d’une guitare par sa forme, appartient à la famille des luths. Certains modèles n’ont pas la taille typique d’une guitare et adoptent des formes originales, comme l’ananas ou le fond d’une pagaie, avec un dos arrondi. On trouve aussi des ukulélés construits à partir de boîtes à cigares servant de caisse de résonance.

Les ukulélés sont généralement en bois, du laminé économique au bois massif comme le koa, l’acajou ou le palissandre, ce dernier offrant une sonorité plus riche qui s’affine avec le temps. Les modèles abordables peuvent être en plastique, plus robustes mais moins chaleureux.

La plupart ont quatre cordes et se jouent acoustiquement, mais certains sont équipés de micros pour les concerts. On trouve aussi des ukulélés à six ou huit cordes, des « banjolélés » à forme de banjo, ou des modèles entièrement métalliques à résonateur, tous considérés comme des instruments hybrides.

Des studios hollywoodiens à la Lune

Après avoir séduit les Hawaïens, le ukulélé traverse le Pacifique pour gagner le continent américain. Il s’installe dans les studios d’Hollywood et devient l’instrument de prédilection de stars comme Laurel et Hardy, Marilyn Monroe ou Elvis Presley et de nombreux musiciens rock et pop, tels que George Harrison et Taylor Swift , qui ont tous joué du ukulélé dans leurs enregistrements. Son influence dépasse même les frontières terrestres : on raconte que l’astronaute Neil Armstrong en a joué après avoir posé le pied sur la Lune !

L’évolution tahitienne : le « banjo »

À l’époque, les Tahitiens ignoraient la lutherie : ils sculptaient leur instrument dans un seul bloc de bois, y posaient une membrane en peau de requin pour le faire résonner et utilisaient des cordes en fil de pêche pour produire le son. Aujourd’hui encore, ce sont des menuisiers qui poursuivent cette tradition dans leurs ateliers, un savoir-faire transmis de génération en génération.

À l’extrémité du triangle polynésien : les îles Cook

Aux îles Cook, le ukulélé n’est pas seulement un instrument de musique : il sert aussi à vivre et à transmettre la culture locale aux visiteurs. Abraham Tauta, véritable prodige, a développé une technique de jeu plus rapide et plus énergique, inspirée des rythmes des tambours traditionnels qui résonnent partout sur l’île.

Symbole de partage et de joie

Quelle que soit sa forme, ukulélé hawaïen, banjo tahitien ou ukarere des îles Cook  l’essentiel réside dans la joie qu’il transmet. Chaque île du Pacifique a fait sienne cette petite guitare, lui insufflant sa propre identité culturelle. De l’île de Pâques aux îles Cook, le ukulélé est devenu un symbole d’hospitalité et incarne l’esprit des îles. Partout en Polynésie, ses notes pétillantes résonnent, tissant des liens entre générations et cultures, et perpétuant une tradition musicale vivante, fidèle à l’âme polynésienne tout en continuant d’évoluer.

En conclusion

Du rivage d’Hawaï aux scènes du monde entier, de Tahiti aux îles Cook, le ukulélé reste bien plus qu’un petit instrument : symbole de joie, de créativité et de partage, il continue de faire vibrer les cœurs, partout où sa musique résonne.

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