Les voix de la Terre

Quelle expression étrange, quand on y pense !
Comment peut-on parler d’une seule “musique” alors qu’il s’agit de milliers de traditions, de styles et de cultures différentes ?
Ce terme semble vouloir rassembler toutes les musiques venues d’ailleurs, comme si le monde entier chantait d’une seule voix. Et pourtant, derrière cette appellation un peu vague, on découvre une immense diversité de sons, d’instruments et de rythmes, venus de tous les continents.

C’est fascinant : la “musique du monde”, ce n’est pas seulement une catégorie musicale, c’est une rencontre entre les peuples, un dialogue sans frontières.

L’expression “musiques du monde” désigne en réalité toutes les formes musicales issues de différentes cultures et traditions à travers la planète, une sorte de rencontre sonore entre les peuples.

L’origine et l’évolution de l’expression musiques du monde

Le mot Weltmusik, qui signifie “musique du monde” en allemand, est apparu pour la première fois en 1906, sous la plume du musicologue Georg Capellen. Il rêvait alors d’un renouveau de la musique occidentale, qu’il imaginait possible grâce à des emprunts à des sonorités dites exotiques ou orientales.

À partir des années 1960, les ethnomusicologues ont commencé à utiliser le terme anglais world music pour parler des musiques traditionnelles propres à chaque pays ou région, qu’elles soient classiques, savantes ou populaires.

L’expression « musiques du monde » s’est réellement popularisée dans les années 1980, lorsque des artistes occidentaux célèbres comme Peter Gabriel, Paul Simon ou Sting ont commencé à intégrer des éléments non occidentaux dans leurs créations. Ce métissage musical est né à la fois d’une curiosité artistique et des nouvelles technologies, comme l’échantillonneur, capable de reproduire les sons d’instruments venus d’ailleurs.

Au fil du temps, d’autres appellations ont vu le jour : musiques exotiques, musiques ethniques, world beat, ethno pop, ou encore global sound. Ces termes témoignent du mélange croissant entre traditions locales et influences modernes comme le jazz, le rock ou la pop.

En 1985, lors d’une réunion à Londres, plusieurs producteurs  ont officialisé le concept marketing de la world music, destiné à promouvoir sur le marché occidental des musiques venues d’autres cultures. Rapidement, les disquaires ont utilisé cette étiquette pour classer à la fois des artistes traditionnels et des musiciens contemporains métissés, ce qui a entretenu une certaine confusion entre ces deux univers pourtant complémentaires.

Dans le monde francophone, l’expression a été traduite par « musiques du monde » ou « sono mondiale ». Cette dernière, popularisée dans les années 1980 par les journalistes, désignait le métissage des influences et la mondialisation du patrimoine musical. Paris a d’ailleurs joué un rôle central dans cette ouverture, en accueillant de nombreux artistes venus de divers horizons.

Aujourd’hui, le terme « musiques du monde » englobe à la fois les traditions musicales ancestrales et les créations hybrides issues de la mondialisation, témoignant de la richesse et de la diversité culturelle qui caractérisent notre époque.

Finalement, derrière cette appellation se cache bien plus qu’une étiquette musicale : c’est une histoire de voyages, de rencontres et de métissages entre les peuples.

Les voix du monde, une seule mélodie

les musiques du monde ne sont pas simplement une catégorie musicale : elles représentent la rencontre entre les cultures.
Nées d’échanges, de voyages et de métissages, elles montrent que la musique n’a ni frontières ni langue.
Ce terme, à l’origine purement descriptif, est devenu le symbole d’une ouverture artistique et humaine, où les traditions dialoguent avec la modernité.
Finalement, parler de “musiques du monde”, c’est célébrer la diversité sonore de notre planète et reconnaître que, partout, la musique reste un langage universel qui relie les peuples.

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Le cajón a été inventé au Pérou et a été mentionné pour la première fois sous forme écrite au milieu du 19ème siècle. Cependant, l’origine remonte à deux siècles plus tôt, à l’époque où les esclaves d’origine africaine n’avaient pas le droit de jouer du tambour, et où ils durent donc trouver un objet pour le remplacer. Le premier cajón aurait donc pu ressembler simplement à une caisse en bois destinée à la cueillette des fruits ou à la pêche des poissons. C’est le guitariste espagnol de flamenco Paco de Lucia qui le rendit populaire en Europe vers la fin des années 70. Depuis les années 90, les cajóns sont de plus en plus utilisés dans la musique pop.

Pourquoi fait t-il tant d’adeptes ?

C’est un instrument pratique, facile à transporter, qui ne prend pas beaucoup de place, et qui peut être appris assez rapidement. Une fois assis dessus et après avoir appris les coups de base de caisse claire (bord supérieur) et de basse (vers le milieu), les premiers rythmes simples peuvent être joués. Le tout est bien sûr beaucoup plus amusant au sein d’un ensemble de percussionnistes.

Quels sont les types de construction les plus répandus?

De nos jours, les cajóns ont généralement une taille de 48 x 30 x 30 cm, et à l’exception de certains modèles de classe supérieure en bois massif, ces derniers sont fabriqués principalement en contreplaqué de bouleau et de hêtre. La plupart des cajóns sont équipés de cordes de guitare ou de basse ou d’un système de timbre de caisse claire de batterie situé sous la plaque supérieure, qui vibre lors de la frappe de l’instrument.

Les cajóns équipés de cordes viennent d’Espagne et sont populaires pour leur réponse claire et sensible. La sonorité est plutôt sèche avec une très bonne séparation des sons de basse et de caisse claire.

Le cajóns à timbre permet un jeu plus vif et la simulation parfaite de grooves de batterie. Les versions basiques sont équipées d’un demi timbre de caisse claire pressé contre la surface arrière qui réagit lors d’impulsions sur la surface de frappe.

Certains modèles de cajóns , avec leurs timbres amovibles , ou encore les timbres réglables et amovibles, offrent de meilleures possibilités de réglages par rapport aux simples cajóns à timbre.

La troisième variante de cajóns moins fréquente sont les cajóns afro-péruviens. Ils ne sont ni équipés de cordes, ni de timbre et sont particulièrement appréciés pour leur son boisé, notamment par les musiciens de flamenco.

Cajóns de voyage, cajóns pour enfants, et cajóns DIY

Outre les cajóns de taille standard mentionnés ci-dessus, les fabricants ont créé quelques variations intéressantes ces dernières années. Il existe des cajóns pour enfants avec des dimensions plus petites. Les musiciens nomades qui préfèrent des modèles plus maniables trouveront leur bonheur avec le Cajinto ou le Meinl Slap Top Cajon.
Et pour tous les bricoleurs ne souhaitant pas acquérir un modèle monté, mais préférant construire eux-mêmes leur instrument, il existe même des cajóns en kit DIY.

Cajóns hybrides – mélanger le jeu acoustique avec des sons électroniques

Le dernier cri est de mélanger les sons acoustiques de cajón avec des échantillons électroniques. Le modèle est équipé de triggers derrière la surface de frappe permettant de déclencher des sons en fonction de la dynamique de jeu. Un fabricant espagnol a créé un cajón hybride appelé Centaur équipé de trois surfaces de jeu/triggers sur le côté qui offre aussi la possibilité d’importer vos propres sons. Enfin, pour les percussionnistes souhaitant expérimenter des sons électroniques sans se séparer de leur instrument, un module de sons avec microphone à clip qui se fixe facilement à un cajón.

Accessoires

Un cajón doit être protégé dans une housse lors d’un déplacement. Il existe également toutes sortes d’accessoires pratiques et novateurs. Pour ceux qui aiment avoir les mains libres afin de jouer d’autres instruments, ou encore utiliser le cajón avec d’autres percussions, une pédale pour cajón peut être utile.

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