Les prémices du piano

L’histoire du piano commence au début du 18e siècle en Italie. Bartolomeo Cristofori, facteur d’instruments à clavier pour le Prince Ferdinand de Médicis, est crédité de l’invention du premier piano vers 1700.
Conçu comme un clavicorde amélioré, capable de produire des sons à la fois doux (piano) et forts (forte), le piano était une révolution. L’innovation de Cristofori a permis une expression dynamique inégalée, marquant une avancée significative par rapport au clavecin, qui ne pouvait produire qu’un seul volume sonore.
L’histoire du piano est jalonnée d’anecdotes fascinantes qui illustrent son évolution et son impact culturel.
Laissez-moi vous en conter quelques unes.

L’invention par accident

Reconnu comme l’inventeur du piano, Bartolomeo Cristofori travaillait à l’amélioration du clavecin pour permettre une variation de l’intensité sonore.
C’est en cherchant à surmonter les limitations dynamiques du clavecin et du clavicorde qu’il a créé le premier piano vers 1700.
Sa motivation n’était pas de créer un nouvel instrument de toutes pièces, mais plutôt d’améliorer ce qui existait déjà, menant ainsi « par accident » à la naissance du piano.

Le premier nom donné par Cristofori à son invention était « gravicembalo col piano e forte », littéralement « clavecin avec doux et fort », indiquant sa capacité unique à jouer des notes à des volumes variés.
Ce nom a été progressivement raccourci en « fortepiano », puis simplement en « piano », terme que nous utilisons aujourd’hui.

Le premier piano

Un début peu enthousiaste. Malgré son innovation, le piano de Cristofori n’a pas été immédiatement populaire.
Il a fallu des décennies avant que l’instrument gagne en popularité, en partie à cause de son coût élevé et du nombre limité d’instruments produits.
Ce n’est que dans la seconde moitié du 18e siècle que le piano a commencé à remplacer le clavecin dans les foyers et les salles de concert.

L’invention de Cristofori a bénéficié du soutien du Prince Ferdinand de Médicis, son mécène.
Intéressé par les innovations technologiques, le prince a fourni à Cristofori les ressources nécessaires pour développer son invention.
Sans le soutien financier et l’encouragement du prince, le développement initial du piano aurait pu prendre une direction très différente.

Les pianos de Cristofori étaient des œuvres d’art!

L’article Histoire et origines du piano est apparu en premier sur Editions coup de pouce.

Instruments de musique à vent de la famille des bois

l’anche saxophone ou anche clarinette joue un rôle excitateur fondamental dans la génération du son. Pour rappel, le souffle du musicien étant supérieur à la pression atmosphérique, il va entraîner la vibration de l’anche car celle-ci va jouer le rôle de valve laissant passer une faible quantité d’air dans le bec créant une dépression qui va rabattre l’anche contre la table du bec saxophone ou bec clarinette créant ainsi une onde qui va conditionner le timbre du son produit.

Principe

Une anche est une lamelle élastique mise en vibration par :

• le souffle du musicien (duduk, clarinette, saxophone, hautbois, basson, chalumeau, chalemie, bombarde, sheng…),
• une soufflerie mécanique (orgue, positif, harmonium, accordéon, bandonéon, concertina…),
• ou une poche d’air, alimentée par le souffle du musicien ou un soufflet (cornemuse, biniou, veuze, musette de cour…).

Ce souffle fait vibrer l’anche qui met à son tour une colonne d’air variable en vibration, ce qui produit le son de l’instrument[1]. L’anche peut aussi être la bouche du musicien (anche lippale). Quel que soit son type, elle agit comme une valve qui module le déplacement d’air provoqué par le souffle.

Histoire

L’anche double est connue depuis la haute Antiquité, elle a été développée avec l’aulos, ancêtre du hautbois. L’anche simple est également employée depuis l’antiquité avec une forme de clarinette traditionnelle comme le sipsi des Phrygiens et des Hittites ou une forme de clarinette double chez les égyptiens depuis le IVe millénaire av. J.-C.. L’anche libre, connue en Chine depuis le IIIe millénaire av. J.-C. a été introduite en 1810 dans la facture instrumentale moderne par Gabriel-Joseph Grenié, lors de la présentation de son orgue expressif.

A chaque musicien, son anche idéale !

L’orientation jazz ou classique du saxophoniste ou clarinettiste va être un élément déterminant dans le timbre qu’il recherche et par conséquent dans son choix d’anche. Si un musicien jazz sera à la recherche d’un son que l’on qualifiera communément de « métallique », « dur », « venteux », autant d’expressions qui désignent un son riche en harmoniques… un musicien classique cherchera quant à lui un son plus « chaud », « rond » ou « centré » donc un son dénué d’harmoniques.

Formes

Enfermées dans une capsule (tournebout) ou dans une poche d’air (cornemuse), libre dans la bouche (zurna) ou contrôlées par les lèvres (bombarde, hautbois), accessibles par des clapets (accordéon) ou par des mécanismes monumentaux (orgue), les anches ont des formes et des dimensions diverses et multiples, produisant des sons sourds ou stridents, voilés ou éclatants, très doux ou extrêmement puissants. Les instruments transformant cette vibration sont aussi riches et hétéroclites que les civilisations et les cultures qui les ont fait naitre.

Types d’anche

Quelle que soit leur matière, il existe quatre sortes d’anches distinctes aux propriétés acoustiques bien différenciées :

• l’anche simple libre, type accordéon. Une languette mise en vibration par un déplacement d’air et vibrant librement en aller/retour.
• l’anche simple battante, type clarinette. Une languette mise en vibration par un déplacement d’air et « battant », plus exactement vibrant contre un bec qui constitue l’ouverture ménagée dans le tube de l’instrument.
• l’anche double libre, type cornemuse. Deux languettes mises en vibration par un déplacement d’air et vibrant librement soit dans la bouche, soit dans une chambre appelée « capsule ».
• l’anche double contrôlée par les lèvres, type hautbois. Deux languettes mises en vibration par un déplacement d’air et que le musicien peut contrôler par la variation de son souffle et des pressions infimes de ses lèvres et de la mâchoire.

L’article Le rôle de l’anche est apparu en premier sur Editions coup de pouce.

Cet événement annuel qui se déroule à Issoudun (Indre), généralement à la fin du mois d’octobre ou au début de novembre propose une programmation riche comprenant des concerts, des masterclass, des stages ainsi qu’un salon de la lutherie, le tout animé par de nombreux artistes internationaux.

Le déroulement du féstival

Le festival s’étend sur trois jours. L’accueil des participants a lieu le premier jour, puis tous prennent part ensemble aux différentes activités jusqu’au dernier jour, après le déjeuner. Pour ceux qui optent pour l’hébergement collectif, c’est aussi l’occasion de prolonger les moments musicaux jusque tard dans la nuit.

Ce week-end favorise des échanges à la fois conviviaux et musicaux particulièrement intenses, ce qui explique la fidélité de nombreux festivaliers qui reviennent chaque année. De belles amitiés y sont nées.

Quant aux artistes, certains reviennent également, parfois simplement pour le plaisir de retrouver l’atmosphère unique d’Issoudun.

A quoi s’attendre

Un foyer, le temps d’un soir, au son d’une guitare

• Les Soirées Concert à la Maison
  Au cœur de votre salon, ce cocoon vous attend. Venue spécialement pour vous et vos proches, juste avant d’être célébrée à Festival Guitare Issoudun, il s’invite chez vous pour un moment unique.
• Entre vingt et trente invités, amis, famille, voisins se réunissent chez vous pour un concert intimiste.
  Après la musique, place à la convivialité : une collation, un buffet, une soupe ou un thé prolongent la soirée et ouvrent les échanges avec l’artiste, autour de sa musique, de ses inspirations… ou simplement de la vie.
• le temps d’un soir
  Les soirées ont lieu les jours précédant le Festival Guitare Issoudun, du mercredi 21 au mercredi 28 octobre 2026.
• Au son d’une guitare
  Un(e) guitariste professionnel(le) arrive chez vous environ une heure avant le concert.
  Il ou elle joue en acoustique, ou très légèrement amplifié, en toute proximité, pour vous offrir une expérience vivante, sincère et privilégiée.

Le Salon de la Lutherie du FGI

Des guitares d’exception

Véritable référence du secteur, le salon de lutherie d’Issoudun poursuit son chemin, alliant exigence et convivialité. Accueillant une cinquantaine d’exposants, selon la capacité du lieu, il réunit avec harmonie des luthiers fidèles et de nouveaux artisans prometteurs.
Autour de ces créateurs d’exception, vous découvrirez également une large sélection d’accessoires, d’amplis, de tablatures ou encore de bois dédiés à la guitare.
Déployé sur deux niveaux, le salon est aussi un espace de rencontres où les artistes du festival se mêlent aux visiteurs, créant une atmosphère riche et vivante.
Le salon d’Issoudun s’impose ainsi comme un rendez-vous incontournable, aujourd’hui parmi les plus grands événements dédiés à la lutherie guitare en France.

Scène ouverte

Centre des congrès

La scène du Dadgad Café s’anime à l’heure de l’apéro et s’ouvre à tous les musiciens volontaires.
Seules conditions : venir avec une guitare, ou un instrument de la même famille, avoir envie de partager quelques notes… et en faire la demande avec le sourire à partir de 10h30.

2 minutes de balance, 10 minutes de scène, le tout diffusé en direct dans le monde entier sur FGI TV, la télévision du Festival.

Les stages Guitare

L’article Le festival Guitare Issoudun est apparu en premier sur Editions coup de pouce.

Le tout début

Le terme « disk jockey » a été inventé par Walter Winchell en 1935 pour décrire l’animateur radio Martin Block. Ce n’est qu’en 1943 que la première soirée dansante avec DJ fut organisée à Otley, en Angleterre, par celui-là même qui devint le premier DJ à utiliser deux platines. La même année, la discothèque Whiskey a Go-Go ouvrit ses portes à Paris, devenant la première discothèque commerciale. Il y avait eu d’autres boîtes de nuit avant elle – comment le monde aurait-il pu survivre autrement ! – mais celle-ci fut la première à diffuser de la musique enregistrée plutôt qu’un groupe live.

Les années 50

Au début des années 50, les DJ se sont multipliés, se produisant souvent lors de soirées sock hop et se produisant en live. Ils n’avaient souvent qu’une seule platine et discutaient entre eux ou engageaient un batteur pour jouer entre les morceaux – du jamais vu aujourd’hui ! Imaginez le tollé si la musique s’arrêtait ! Au fil des années 50, le DJing s’est développé : Bob Casey a introduit le système à deux platines en 1955 et des sound systems ont été développés à Kingston, en Jamaïque. Ce fut un tournant dans l’histoire du DJing et le début de la forme de divertissement moderne que nous connaissons, aimons et portons encore aujourd’hui !

Les années 60 et 70

Au fil du temps, les boîtes de nuit et les discothèques ont gagné en popularité en Europe et aux États-Unis. Du matériel DJ spécialisé a fait son apparition sur le marché et de nouvelles techniques, comme le beatmatching et le slip-cuing, ont été inventées, dont beaucoup sont encore utilisées aujourd’hui. En 1973, le « père de la culture hip-hop », DJ Kool Herc, s’est produit lors de fêtes de quartier dans son quartier, déclenchant leur popularité et introduisant également la technique du turntablism, qui permet aux DJ de créer des musiques originales.

Au milieu des années 70, le hip-hop a pris le dessus, né à New York auprès des Afro-Américains et des Latinos urbains, avant de se répandre dans le reste du monde. Les années 70 ont marqué une étape importante dans l’histoire du DJing, avec l’apparition des pools de disques, permettant aux DJ d’accéder plus facilement à la musique récente. Après la sortie du tube « Rappers Delight » en 1979 du Sugar Hill Gang, il était clair que le hip-hop allait conquérir l’industrie musicale, ce qui a conduit Tom L. Lewis à introduire les Disco Beats : une liste de chansons disco classées par tempo (battements par minute). Les Disco Beats ont constitué une avancée majeure pour les nouveaux DJ, leur permettant d’apprendre à créer des transitions fluides entre les morceaux sans avoir à modifier leur rythme.

Les années 80

En 1981, MTV a été lancée, une chaîne de télévision dédiée à la diffusion de clips vidéo. Le terme « vidéo-jockey » (VJ) a été donné aux jeunes présentateurs qui présentaient les clips, mais la disparition du disco en 1982 a perturbé les DJ, car les boîtes de nuit et les discothèques ont commencé à fermer, les obligeant à se tourner vers d’autres styles de divertissement. Cependant, c’était la même année que le « Big Bang » de la révolution audio, avec l’arrivée du Compact Disc sur le marché asiatique. Au début des années 80 également, DJ Larry Levan est devenu un prototype du club de danse moderne en gagnant des adeptes au Paradise Garage, où il mettait en avant à la fois le DJ et sa musique. C’est à peu près à la même époque que la house music a émergé à Chicago, avec la sortie du tout premier morceau de house par Jesse Saunders en 1983 !

En réalité, les années 80 ont marqué une nouvelle ère pour la musique disco, car sa disparition en 1982 a contraint les DJ à créer des musiques hybrides alliant nouveaux sons et éléments disco originaux. La musique garage a fait son apparition à New York au milieu des années 80, et la techno est née dans les clubs de Detroit. En 1985, la Winter Music Conference a ouvert la voie aux conférences de DJ. La même année, le premier magazine musical publié par des DJ est apparu : le TRAX Dance Music Guide. Peu après, le magazine DJ Times a publié sa première édition en 1988.

De retour à Londres, la house était en plein essor grâce aux DJ londoniens Paul Oakenfold, Danny Rampling, Johnny Walker et Nicky Holloway, tous venus animer des soirées après un été à Ibiza en 1987.
Si la house était jouée dans les villes du nord de l’Angleterre, c’est dans la capitale qu’elle a véritablement pris son essor à la fin des années 80.
Certains de ces grands classiques de la house influencent encore nos sets de DJ pour les mariages londoniens.

Les années 90

Comme beaucoup s’en souviennent probablement, le début des années 90 a marqué la naissance de la scène rave ! Cette scène a marqué une nouvelle avancée majeure pour le DJing, permettant aux DJ « superstars » de se faire un nom et de développer des marques pour leurs sons. En 1993, Carl Malamud a créé la première station de radio en ligne, permettant ainsi aux DJ de tous niveaux de travailler depuis leur ordinateur personnel. Cette évolution a été amplifiée par la sortie du premier lecteur MP3 en 1998, créant ainsi le tout premier système DJ numérique. Un an plus tard, l’Agence canadienne des licences audiovisuelles a annoncé une licence DJ MP3, transformant radicalement le mode de fonctionnement des DJ : au lieu de trimballer leurs collections de CD en concert, ils pouvaient désormais les stocker et les utiliser depuis un seul disque dur !

Les années 2000 – Aujourd’hui

Depuis le début des années 2000, les avancées technologiques se sont succédé, entraînant de nombreux développements dans l’industrie du DJing. Les consoles de mixage numériques de pointe ont donné naissance à une culture d’intégration DJ entièrement nouvelle, les logiciels en ligne ont permis la création de DJ virtuels et l’introduction des DJ battles a donné à l’industrie ses droits concurrentiels. Être DJ ne se résume plus à jouer des morceaux comme autrefois : il s’agit désormais de manipuler le son pour produire une musique incroyable et de créer une atmosphère qui l’accompagne grâce à la lumière et aux effets. L’histoire du DJing et les avancées constantes de ces 80 dernières années nous ont permis de développer Discologic : le DJ de mariage leader dans plusieurs régions d’Angleterre, dont le Kent et Londres !

L’article L’histoire du DJing est apparu en premier sur Editions coup de pouce.

Chaque été, la musique s’empare des villes, des plages et des campagnes pour rassembler des milliers de festivaliers venus vibrer au rythme des plus grands artistes du moment. L’été 2026 s’annonce déjà comme une saison exceptionnelle, riche en programmations audacieuses, en retours très attendus et en découvertes prometteuses. Des scènes mythiques aux nouveaux rendez-vous incontournables, les grands festivals musicaux offrent bien plus que des concerts : une expérience collective, festive et inoubliable, où se mêlent émotions, rencontres et énergie estivale.

En savoir plus

À quoi s’attendre cette année ?

De The Cure à Theodora, de Tyler, The Creator à Vanessa Paradis, en passant par Volbeat et Aya Nakamura, l’été s’annonce une fois de plus irrésistible pour les amateurs de musique prêts à sillonner les festivals aux quatre coins de la France !

Quelle programmation musicale fera vibrer les scènes et enflammera le public ?

We Love Green : du 5 au 7 juin 2026
Comme chaque année depuis sa création en 2011, We Love Green ouvre les festivités dans le bois de Vincennes ! Le festival, connu pour son engagement, est soucieux de son impact sur la planète et s’engage, du transport à l’alimentation en passant par la gestion des déchets, à être le plus éco-responsable possible. Sont au rendez-vous de cette édition Gorillaz, Theodora, The xx, Charlotte Cardin, Addison Rae, Little Simz, Feu ! Chatterton, Sébastien Tellier, Oklou, Hayley Williams, Charlotte de Witte, Disiz, Mac DeMarco…

Festival des 2 Rivières : du 12 au 14 juin 2026
Nichée dans le décor bucolique de l’Espace des 2 Rivières, entre la Marne et le Petit Morin, la 15e édition du Festival des 2 Rivières s’apprête à faire vibrer La Ferté-sous-Jouarre. Devenu un rendez-vous incontournable en Seine-et-Marne, l’événement séduit autant les passionnés de musique que les familles, avec une programmation généreuse : 15 concerts répartis sur trois jours, portés notamment par Superbus, Fatoumata Diawara, Gaël Faye et Claudio Capéo.

Solidays : du 26 au 28 juin 2026
Porté par des valeurs de solidarité et d’engagement, Solidays rassemble, sensibilise et crée du lien. Au-delà d’une programmation musicale de haut vol, le festival propose également des temps forts, des conférences et des espaces d’échange consacrés aux grands enjeux de société et d’actualité. Cette année encore, de nombreux artistes répondent présent, parmi lesquels Orelsan, Gims, La Rvfleuze, Bigflo & Oli, L2B, Nico Moreno, Luiza, Zara Larsson, Mosimann, Ino Casablanca et La Mano 1.9.

Rock en Seine : du 26 au 30 août 2026
Comme à son habitude, Rock en Seine clôture la saison des festivals franciliens le dernier week-end d’août, en investissant le Domaine national de Saint-Cloud avec une affiche XXL. Au programme : The Cure, Nick Cave & The Bad Seeds, Lorde, Tyler, The Creator, Deftones, The Black Keys, Franz Ferdinand, Interpol, Biffy Clyro, Slowdive et bien d’autres, de Tash Sultana à Turnstile, en passant par Amyl & The Sniffers, Landmvrks ou Kurt Vile & The Violators.

En parallèle des têtes d’affiche, les scènes plus intimistes permettent de découvrir les talents émergents et d’approcher au plus près ceux qui feront la musique de demain, pour de véritables pépites à (re)découvrir.

Les grands festivals de musique en France

• This Is Not a Love Song : Du 5 au 6 juin 2026 à Nîmes
• Sakifo : Du 5 au 7 juin 2026 à La Réunion
• Marsatac : Du 11 au 13 juin 2026 à Marseille
• Festival des Arènes de Nîmes : Du 11 juin au 25 juillet 2026 dans les arènes de Nîmes
• Cabourg, mon amour : Du 18 au 20 juin 2026 à Cabourg
• Hellfest : Du 18 au 21 juin 2025 à Clisson
• Europavox : Du 26 au 28 juin 2026 à Clermont-Ferrand
• Les Eurockéennes : Du 2 au 5 juillet 2026 à Belfort

Et bien d’autres événements à retrouver cet été.

En savoir plus

L’article Les grands festivals musicaux de l’été 2026 est apparu en premier sur Editions coup de pouce.

Des racines portugaises à une reconnaissance mondiale

L’histoire commence en 1879, lorsqu’un navire portugais en provenance des îles de Madère accoste à Hawaï, transportant des travailleurs agricoles venus cultiver la canne à sucre et l’ananas. Parmi eux, João Fernandes ne se sépare jamais de sa petite guitare portugaise à quatre cordes appelée machete , également connu sous le nom de braguinha .

Les sonorités vives et inédites de l’instrument captivent rapidement les Polynésiens, jusqu’à séduire le roi David Kalakaua, dernier souverain du royaume d’Hawaï. Musicien lui-même, il adopte l’ukulélé et contribue à l’intégrer à la musique traditionnelle de l’archipel. Le ukulélé se voit alors honoré d’une couronne gravée à l’extrémité de son manche, symbole de sa reconnaissance royale.

Commence dès lors une véritable épopée musicale : celle d’un petit instrument appelé à porter, bien au-delà des rivages hawaïens, un esprit de fête et de légèreté qui conquérira le monde.

L’ukulélé « puce sauteuse » en hawaïen

Petit et relativement facile à prendre en main, le ukulélé séduit particulièrement les musiciens débutants. On le tient contre la poitrine, on pince les cordes le long du manche et on les gratte avec la pulpe du pouce ou le dos des doigts. Surnommé « uke », il dégage une sonorité unique qui se marie harmonieusement avec d’autres instruments à cordes, ce qui explique sa présence dans des genres variés, du jazz et de la country à la pop, au rock, et dans les musiques du monde entier.

Le ukulélé, proche d’une guitare par sa forme, appartient à la famille des luths. Certains modèles n’ont pas la taille typique d’une guitare et adoptent des formes originales, comme l’ananas ou le fond d’une pagaie, avec un dos arrondi. On trouve aussi des ukulélés construits à partir de boîtes à cigares servant de caisse de résonance.

Les ukulélés sont généralement en bois, du laminé économique au bois massif comme le koa, l’acajou ou le palissandre, ce dernier offrant une sonorité plus riche qui s’affine avec le temps. Les modèles abordables peuvent être en plastique, plus robustes mais moins chaleureux.

La plupart ont quatre cordes et se jouent acoustiquement, mais certains sont équipés de micros pour les concerts. On trouve aussi des ukulélés à six ou huit cordes, des « banjolélés » à forme de banjo, ou des modèles entièrement métalliques à résonateur, tous considérés comme des instruments hybrides.

Des studios hollywoodiens à la Lune

Après avoir séduit les Hawaïens, le ukulélé traverse le Pacifique pour gagner le continent américain. Il s’installe dans les studios d’Hollywood et devient l’instrument de prédilection de stars comme Laurel et Hardy, Marilyn Monroe ou Elvis Presley et de nombreux musiciens rock et pop, tels que George Harrison et Taylor Swift , qui ont tous joué du ukulélé dans leurs enregistrements. Son influence dépasse même les frontières terrestres : on raconte que l’astronaute Neil Armstrong en a joué après avoir posé le pied sur la Lune !

L’évolution tahitienne : le « banjo »

À l’époque, les Tahitiens ignoraient la lutherie : ils sculptaient leur instrument dans un seul bloc de bois, y posaient une membrane en peau de requin pour le faire résonner et utilisaient des cordes en fil de pêche pour produire le son. Aujourd’hui encore, ce sont des menuisiers qui poursuivent cette tradition dans leurs ateliers, un savoir-faire transmis de génération en génération.

À l’extrémité du triangle polynésien : les îles Cook

Aux îles Cook, le ukulélé n’est pas seulement un instrument de musique : il sert aussi à vivre et à transmettre la culture locale aux visiteurs. Abraham Tauta, véritable prodige, a développé une technique de jeu plus rapide et plus énergique, inspirée des rythmes des tambours traditionnels qui résonnent partout sur l’île.

Symbole de partage et de joie

Quelle que soit sa forme, ukulélé hawaïen, banjo tahitien ou ukarere des îles Cook  l’essentiel réside dans la joie qu’il transmet. Chaque île du Pacifique a fait sienne cette petite guitare, lui insufflant sa propre identité culturelle. De l’île de Pâques aux îles Cook, le ukulélé est devenu un symbole d’hospitalité et incarne l’esprit des îles. Partout en Polynésie, ses notes pétillantes résonnent, tissant des liens entre générations et cultures, et perpétuant une tradition musicale vivante, fidèle à l’âme polynésienne tout en continuant d’évoluer.

En conclusion

Du rivage d’Hawaï aux scènes du monde entier, de Tahiti aux îles Cook, le ukulélé reste bien plus qu’un petit instrument : symbole de joie, de créativité et de partage, il continue de faire vibrer les cœurs, partout où sa musique résonne.

L’article À la décourte du Ukulélé est apparu en premier sur Editions coup de pouce.

Dans quelle pièce se trouve votre instrument ?

Les variations de température (et d’humidité) peuvent avoir un impact considérable sur une guitare, surtout si elle est en bois massif.

• Dilatation et contraction du bois (déformation du manche, fissures dans la table d’harmonie, désalignement du manche…)
  
• Modification de la tension des cordes (la chaleur détend légèrement les cordes, Le froid les tend davantage)
• Effets combinés avec l’humidité (Un air sec et chaud dessèche le bois tandis qu’un air froid et humide fait gonfler le bois)
• Autres conséquences à long terme (Usure prématurée du vernis, décollement du chevalet, Détérioration de la sonorité)

En résumé, le bois d’une guitare aime la stabilité alors évitez toute exposition directe au soleil ainsi que les environnements trop secs ou trop humides. Maintenez plutôt votre guitare dans une pièce à température stable, comparable à celle dans laquelle vous vous sentiriez à l’aise.

Nettoyage des cordes

Nettoyer sa guitare, c’est aussi changer ses cordes ! En effet, ça n’est pas une vaine obsession. En plus de sonner mal et faux, de trop vieilles cordes risquent tout simplement de salir votre touche plus que de raison, ce qui sera particulièrement visible sur de l’érable, et même d’abîmer prématurément vos frettes. Profitez de l’absence de cordes sur votre guitare pour effectuer un nettoyage complet, y compris dans les zones habituellement difficiles d’accès.
Munissez-vous simplement d’un chiffon doux et d’un peu de polish.

Pour éviter que vos cordes ne s’abîment trop vite, essuyez-les avec un chiffon doux après avoir joué.
La sueur des doigts, même minime, accélère leur oxydation et altère leur sonorité.

Nettoyage du corps de la guitare

Nettoyage de la table d’harmonie, du dos et des éclisses, ainsi que de l’arrière du manche.
Pour un nettoyage simple, utilisez un chiffon doux (type peau de chamois ou chiffon pour bois), éventuellement légèrement humide.

Si des traces résistent, appliquez un polish : il nettoiera efficacement tout en respectant le vernis de votre guitare.

IMPORTANT !

Les guitares acoustiques présentent différents types de finitions, allant du vernis mat au plus brillant.
Évitez absolument l’alcool et les produits contenant du silicone (ou seulement en très faible quantité), car ils peuvent endommager le vernis.
Sur une guitare classique, il est d’ailleurs préférable de ne pas utiliser de polish, le vernis étant particulièrement délicat.
L’essentiel est de choisir un produit respectueux du fini : un bon nettoyage ne doit pas modifier l’apparence de votre instrument, et c’est justement le signe qu’il a été bien fait.

Nettoyage de la touche et des frettes

Avant tout, il est essentiel de connaître le type de bois utilisé pour la touche votre guitare (palissandre, ébène, érable, etc.), afin d’adopter la méthode de nettoyage la plus adaptée.

Ce nettoyage doit être effectué au minimum une fois par an, et plus fréquemment si nécessaire, notamment en cas de poussière ou de saleté visible.

À l’aide d’un chiffon non pelucheux ou d’une microfibre, dont la texture légèrement abrasive permet d’éliminer les traces de doigts sans provoquer de micro-rayures, nettoie délicatement la touche en faisant glisser le tissu le long de chaque frette et à l’intérieur de chaque case.
Si besoin, le chiffon peut être légèrement humidifié, mais veille à bien sécher ensuite la touche afin d’éviter toute accélération de l’oxydation des cordes et des frettes.

Si ce nettoyage est effectué régulièrement, l’usage d’un produit spécifique ne sera généralement pas nécessaire.

Si la touche est ancienne ou qu’elle montre des signes de sécheresse, il est recommandé d’utiliser un produit à base d’huile de citron, particulièrement efficace pour la nourrir, ou de l’huile de lin. Ces huiles redonneront éclat et souplesse à la touche de ta guitare.

Il est recommandé d’utiliser un petit pinceau afin d’éliminer la poussière présente entre les différentes parties de la guitare.

Entretenir sa guitare, c’est prolonger sa vie musicale

En somme, une guitare bien entretenue vieillit mieux et conserve toute sa richesse sonore. Qu’il s’agisse de la température, de l’humidité ou du nettoyage régulier, chaque geste compte pour préserver la beauté et la justesse de votre instrument. Un peu de soin, un environnement stable et quelques bonnes habitudes suffisent pour qu’elle vous accompagne fidèlement pendant de longues années.

L’article Nettoyage et entretien de sa guitare est apparu en premier sur Editions coup de pouce.

Le tongue drum est né de l’imagination de Dennis Havlena, qui, en 2007, a eu l’idée géniale de transformer une bonbonne de propane en acier en un instrument de musique. Le résultat ? Un instrument au son envoûtant, apaisant, capable de calmer les esprits les plus agités.

Le tongue drum est aussi appelé tank drum ou hank drum. Sa forme rappelle celle d’une soucoupe volante, ce qui lui donne un aspect à la fois moderne et ancien. Pour jouer de cet instrument, rien de plus simple : il suffit de frapper doucement avec les doigts ou avec des mailloches les « langues » d’acier découpées sur la surface de l’instrument. Chaque langue produit une note différente, et l’ensemble donne une mélodie douce et envoûtante.

Mais ce n’est pas tout. Le tongue drum a un pouvoir mystique, une capacité à nous transporter dans un état de méditation profonde. Pourquoi ? Eh bien, nous allons le découvrir ensemble ! Il est temps de remonter le fil du temps et de partir à la découverte des origines du tongue drum.

Les origines mystiques du tongue drum

Bien qu’il soit difficile de déterminer les origines exactes du tongue drum, les experts de cet instrument s’accordent à dire qu’il est inspiré des tambours d’acier caribéens et sud-américains, ainsi que des instruments à percussion africains et dominicains.

Pour comprendre les racines profondes du tongue drum, il faut remonter à des temps immémoriaux, où musique et spiritualité étaient inextricablement liées. L’ancêtre du tongue drum se trouve en effet dans les cultures ancestrales d’Afrique, d’Amérique du Sud et d’Asie, où le rythme et la vibration étaient utilisés pour la guérison, la célébration et le voyage spirituel.

L’Aztec Teponaztli, le Balafon africain ou encore le Mridangam indien, tous ces instruments à percussion partageaient une caractéristique commune : ils étaient taillés ou creusés de manière à produire des notes différentes lorsqu’ils étaient frappés. Ils ont servi de base pour la création du tongue drum moderne.

Mais la magie du tongue drum ne réside pas seulement dans ses origines ancestrales. C’est aussi un triomphe de l’ingéniosité humaine et de la transformation créative.

Le tongue drum dans le monde :

Comme beaucoup d’instruments de musique, le tongue drum a évolué et s’est adapté à différentes cultures et pratiques à travers le monde. Cette richesse et cette diversité ajoutent à son charme et à sa polyvalence, rendant chaque drum unique à sa manière.

Des variations selon les cultures

A l’échelle mondiale, le tongue drum a pris différentes formes et a été adopté par diverses cultures, chacune apportant sa propre interprétation et son propre style de jeu. Par exemple, dans certaines parties d’Afrique, les drums peuvent être utilisés dans des cérémonies traditionnelles et des festivals, souvent accompagnés de danses et de chants.

En Europe et en Amérique, le tongue drum a trouvé une place au sein de la communauté des musiciens de rue, des pratiquants de yoga et des thérapeutes sonores. Il a même été adopté par certains musiciens professionnels pour ajouter une touche unique et mélodique à leur musique.

De même, en Asie, le tongue drum est parfois utilisé dans les temples et les centres de méditation pour aider à induire un état de relaxation profonde et favoriser la pleine conscience.

Des évolutions fascinantes

Au fil du temps, le tongue drum a également évolué techniquement. Les premiers modèles, fabriqués à partir de bouteilles de gaz en acier recyclées, ont été progressivement remplacés par des instruments fabriqués à partir de matériaux spécialement choisis pour leurs propriétés acoustiques.

L’article À la découverte du tongue drum est apparu en premier sur Editions coup de pouce.

Les racines Africaines :

L’histoire du bottleneck débute bien avant l’apparition des premières Cigar Box Guitars. Ses origines plongent en Afrique, où des instruments à cordes tels que la kora ou le n’goni étaient déjà joués à l’aide de procédés proches. En traversant l’Atlantique avec les esclaves africains, ces pratiques musicales ont posé les fondations de ce qui donnera naissance, plus tard, au blues.

L’adaptation en Amérique :

Sur le sol américain, les esclaves africains et leurs descendants ont commencé à concevoir des instruments à partir de matériaux de récupération, notamment des boîtes à cigares, donnant ainsi naissance aux premières Cigar Box Guitars. Pour faire vibrer les cordes, ils utilisaient des objets du quotidien — os, lames de couteau, puis plus tard tubes de verre ou de métal — qu’ils faisaient glisser le long du manche. C’est ainsi qu’est née la technique du bottleneck, capable de produire un son profond, chargé d’émotion et de mélancolie, devenu emblématique du blues.

Le blues du Delta et ses pionniers :

Le Delta du Mississippi est largement reconnu comme le berceau du blues, et c’est dans cette région que la technique du bottleneck a trouvé toute sa puissance expressive. Des figures mythiques telles que Robert Johnson ou Son House s’en sont emparées pour transmettre des émotions à vif et raconter des histoires de vie, d’amour et de perte. Interprétée sur des Cigar Box Guitars, leur musique, portée par le bottleneck, a su saisir toute la profondeur et l’âme du Sud des États-Unis.

Du blues au rock :

Le parcours du bottleneck, depuis ses origines profondément enracinées dans le blues jusqu’à son adoption par le rock, raconte une évolution marquée par la transformation et l’adaptation. Issue d’une expression brute et chargée d’émotion, cette technique a su s’imposer dans l’univers bouillonnant et novateur du rock ’n’ roll, où elle a trouvé un nouveau souffle et une énergie renouvelée.

L’adoption par les pionniers du rock :

Dans les années 1950 et 1960, alors que le rock ’n’ roll conquiert l’Amérique puis le reste du monde, des figures emblématiques comme Elvis Presley et Chuck Berry occupent le devant de la scène. Parallèlement, un courant plus discret mais tout aussi déterminant émerge : des guitaristes de rock, nourris par l’expressivité du blues, commencent à explorer la technique du bottleneck. En l’intégrant à leur jeu, ils apportent une nouvelle palette sonore à leur musique, enrichissant le rock de textures profondes, vibrantes et chargées d’émotion.

L’influence sur le son et le style du rock :

Le bottleneck a ouvert de nouvelles perspectives sonores au rock, offrant aux guitaristes la possibilité d’explorer des textures plus fluides et intensément expressives. Grâce à cette technique, des effets de glissando et de vibrato inédits ont vu le jour, impossibles à reproduire avec le jeu de guitare traditionnel. Son timbre reconnaissable, fait de notes tenues et de transitions souples, a insufflé au rock une profondeur supplémentaire, mêlant sophistication et charge émotionnelle.

L’évolution des matériaux et des techniques :

Avec l’essor du rock, les matériaux et les approches liés au bottleneck ont eux aussi connu une véritable évolution. Les guitaristes ont exploré une variété de slides — en verre, en métal ou en céramique — chacun apportant une couleur sonore distincte. Parallèlement, les techniques de jeu se sont affinées, permettant l’utilisation du bottleneck non plus seulement comme un effet, mais comme un véritable outil d’expression, capable de produire des mélodies élaborées et des sonorités novatrices.

En définitive, le bottleneck est bien plus qu’une simple technique de jeu : il est une porte ouverte sur l’histoire, une voix pour l’âme et un élément essentiel de l’identité de la Cigar Box Guitar. De ses origines modestes en Afrique à son influence sur les musiques contemporaines, il a traversé les époques et les continents, séduisant aussi bien les musiciens que les auditeurs aux quatre coins du monde.

L’article Histoire et origines du bottleneck est apparu en premier sur Editions coup de pouce.

L’origine de la kalimba

Les origines de la kalimba se trouvent en Afrique où cet instrument aurait été inventé deux fois : il y a environ 3000 ans sur la côte Ouest vers le Cameroun, comme instrument complètement en bois avec des lamelles en bambou, rotin ou palmier, et il y a environ 1300 ans au Zambèze où on en retrouve des traces avec des lamelles en métal. 

Kalimba est le nom donné par l’ethnomusicologue Hugh Tracey dans les années 1950 lorsqu’il a commencé à introduire en Occident cet instrument de musique d’origine africaine, appelé mbira par le groupe ethnique Shonas du Zimbabwe. La mbira est un instrument emblématique de la culture Shonas.
Cet instrument porte plusieurs noms selon l’aire géographique où il est utilisé : likembe, sanza ou senza au Cameroun et Congo, mbira au Zimbabwe et Malawi, lukeme, karimba en Ouganda…

L’histoire de la kalimba

Son histoire est intimement liée à celle des peuples d’Afrique, où il joue un rôle central dans les cérémonies, les rituels et la vie quotidienne depuis des siècles. Le timbre doux de ses lames métalliques a bercé des générations, transmettant des contes, des histoires et des leçons de vie. Malgré sa simplicité apparente, la kalimba est capable d’une grande expressivité, reflétant les richesses des cultures africaines.

Avec l’avènement de la mondialisation, la kalimba a franchi les frontières de son berceau africain pour séduire des musiciens et des amateurs de musique du monde entier. Sa sonorité unique a inspiré des artistes de tous genres, le faisant résonner bien au-delà des cercles traditionnels.

Finalement, peu de traces ont été découvertes concernant ces Pianos à Pouces avec des touches en bambou. Toujours selon les découvertes archéologiques actuelles, la Kalimba aurait par la suite totalement disparu, mais aurait refait surface un millénaire plus tard à l’autre bout du continent sous une nouvelle forme.

Signification culturelle

Dans les sociétés africaines traditionnelles, la kalimba était bien plus qu’un instrument de musique. Il servait de moyen de communication avec les ancêtres, jouant un rôle crucial dans les rituels et les cérémonies, tels que les mariages, les funérailles et les rites d’initiation. La musique de la kalimba accompagnait les contes et les histoires, transmettant le savoir et les traditions de manière mélodique et captivante.

La Kalimba est un instrument de percussion faisant partie des lamellophones

La kalimba est un instrument de la famille des idiophones qui se caractérisent par une structure simple et qui produisent les sons grâce aux vibrations de la matière-même qui constitue leur corps. C’est un instrument de percussion.
C’est plus précisément un lamellophone dont le corps est constitué d’une caisse de résonance en bois ou d’une planche en bois sur laquelle sont fixées des lamelles métalliques de différentes tailles et formes serrées entre deux ou trois barres transversales. Chaque lamelle produit une note.

On peut trouver de 5 à 6 lamelles pour les kalimbas les plus simples jusqu’à plus de 20 lamelles pour les plus élaborées.
La kalimba est facilement transportable. On en joue en la prenant dans ses deux mains et en faisant vibrer les lamelles avec les pouces.
En Afrique, la mbira est un instrument utilisé par les griots, les conteurs, pour accompagner  des chants et des récits. Il sert aussi aux médiums pour entrer dans des transes mystiques et communiquer avec les ancêtres disparus. On en joue lors de rassemblements publics tels que cérémonies, rituels, mariages ou dans un cadre familial intime lorsque des histoires sont transmises.

Évolution

Avec le temps, la kalimba a évolué, tant dans sa construction que dans ses usages. Les matériaux utilisés pour sa fabrication, initialement constitués de bois et de bambou, se sont diversifiés pour inclure des lamelles métalliques, offrant une plus grande variété de sons et une meilleure résonance. Cette évolution a contribué à enrichir le répertoire musical de la kalimba et à étendre son influence.

La plus grosse évolution du modèle proposé par l’ethnomusicologue est que l’Instrument s’avère être maintenant accordé selon la gamme diatonique. C’est-à-dire que les notes de musiques jouables par le Kalimba sont désormais celles utilisées par la musique occidentale, à savoir Do, Ré, Mi, Fa, Sol, La et Si. Exactement comme dans une guitare électrique, un ukulélé, d’autres instruments à cordes ou encore ceux à clavier tel le piano. Avant cela, les Pianos à Pouces n’étaient pas vraiment harmonisés entre eux et les lamelles étaient accordées à des sonorités un peu aléatoires. Le Musicien arrangeant alors le Piano à Doigts comme il l’entendait. Le Kalimba d’Hugh Tracey dispose dorénavant de 15 lames et se trouve être accordé en Sol majeur, ce qui lui permet d’interpréter des partitions très mélodiques.

Son développement

Les mouvements migratoires et les échanges commerciaux ont facilités sont expansion.
Chaque région d’Afrique a développé sa propre version de la kalimba, adaptée à ses traditions musicales et culturelles. Ainsi, l’instrument se décline sous de nombreux noms et formes, reflétant la richesse et la diversité du continent africain.

Grâce à sa prise en main aisée, comparable à celle d’un instrument à touches ou d’un petit clavier, la kalimba s’est facilement répandue à travers l’Afrique. Son caractère intuitif en fait un instrument accessible même aux néophytes du monde des percussions.

Dans les pays anglophones, on la surnomme souvent thumb piano, littéralement « piano à pouces ». À l’instar du piano, il est possible d’en jouer en gamme majeure ou mineure, selon l’accord choisi. Ce simple ajustement permet de moduler les ambiances musicales, passant de sonorités joyeuses à des tonalités plus douces et mélancoliques.

L’influence de la kalimba ne se limite pas à l’Afrique : elle a su séduire des artistes et enrichir des genres musicaux du monde entier. Sa sonorité unique a trouvé sa place dans le jazz, la musique classique, le folk, et même l’électronique, où des musiciens venus de divers horizons explorent ses possibilités harmoniques et rythmiques.
Cette rencontre des styles a non seulement contribué à l’enrichissement de la scène musicale internationale, mais elle a également permis de valoriser les instruments traditionnels dans un contexte contemporain. Bien que la kalimba ne soit, à la base, qu’un simple jeu de lames que l’on fait vibrer avec les pouces, son rendu sonore peut paraître étonnamment inédit lorsqu’il s’intègre dans des environnements musicaux auxquels on n’est pas habitué.
De nombreux artistes et groupes ont popularisé son utilisation : on peut citer Tracy Chapman, Peter Gabriel, les Beach Boys ou encore Cat Stevens. L’instrument apparaît même dans certaines compositions des Red Hot Chili Peppers, démontrant son incroyable capacité à traverser les genres et les époques.

L’article Histoire et origines de la Kalimba est apparu en premier sur Editions coup de pouce.