Instruments de musique à vent de la famille des bois

l’anche saxophone ou anche clarinette joue un rôle excitateur fondamental dans la génération du son. Pour rappel, le souffle du musicien étant supérieur à la pression atmosphérique, il va entraîner la vibration de l’anche car celle-ci va jouer le rôle de valve laissant passer une faible quantité d’air dans le bec créant une dépression qui va rabattre l’anche contre la table du bec saxophone ou bec clarinette créant ainsi une onde qui va conditionner le timbre du son produit.

Principe

Une anche est une lamelle élastique mise en vibration par :

• le souffle du musicien (duduk, clarinette, saxophone, hautbois, basson, chalumeau, chalemie, bombarde, sheng…),
• une soufflerie mécanique (orgue, positif, harmonium, accordéon, bandonéon, concertina…),
• ou une poche d’air, alimentée par le souffle du musicien ou un soufflet (cornemuse, biniou, veuze, musette de cour…).

Ce souffle fait vibrer l’anche qui met à son tour une colonne d’air variable en vibration, ce qui produit le son de l’instrument[1]. L’anche peut aussi être la bouche du musicien (anche lippale). Quel que soit son type, elle agit comme une valve qui module le déplacement d’air provoqué par le souffle.

Histoire

L’anche double est connue depuis la haute Antiquité, elle a été développée avec l’aulos, ancêtre du hautbois. L’anche simple est également employée depuis l’antiquité avec une forme de clarinette traditionnelle comme le sipsi des Phrygiens et des Hittites ou une forme de clarinette double chez les égyptiens depuis le IVe millénaire av. J.-C.. L’anche libre, connue en Chine depuis le IIIe millénaire av. J.-C. a été introduite en 1810 dans la facture instrumentale moderne par Gabriel-Joseph Grenié, lors de la présentation de son orgue expressif.

A chaque musicien, son anche idéale !

L’orientation jazz ou classique du saxophoniste ou clarinettiste va être un élément déterminant dans le timbre qu’il recherche et par conséquent dans son choix d’anche. Si un musicien jazz sera à la recherche d’un son que l’on qualifiera communément de « métallique », « dur », « venteux », autant d’expressions qui désignent un son riche en harmoniques… un musicien classique cherchera quant à lui un son plus « chaud », « rond » ou « centré » donc un son dénué d’harmoniques.

Formes

Enfermées dans une capsule (tournebout) ou dans une poche d’air (cornemuse), libre dans la bouche (zurna) ou contrôlées par les lèvres (bombarde, hautbois), accessibles par des clapets (accordéon) ou par des mécanismes monumentaux (orgue), les anches ont des formes et des dimensions diverses et multiples, produisant des sons sourds ou stridents, voilés ou éclatants, très doux ou extrêmement puissants. Les instruments transformant cette vibration sont aussi riches et hétéroclites que les civilisations et les cultures qui les ont fait naitre.

Types d’anche

Quelle que soit leur matière, il existe quatre sortes d’anches distinctes aux propriétés acoustiques bien différenciées :

• l’anche simple libre, type accordéon. Une languette mise en vibration par un déplacement d’air et vibrant librement en aller/retour.
• l’anche simple battante, type clarinette. Une languette mise en vibration par un déplacement d’air et « battant », plus exactement vibrant contre un bec qui constitue l’ouverture ménagée dans le tube de l’instrument.
• l’anche double libre, type cornemuse. Deux languettes mises en vibration par un déplacement d’air et vibrant librement soit dans la bouche, soit dans une chambre appelée « capsule ».
• l’anche double contrôlée par les lèvres, type hautbois. Deux languettes mises en vibration par un déplacement d’air et que le musicien peut contrôler par la variation de son souffle et des pressions infimes de ses lèvres et de la mâchoire.

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Le tongue drum est né de l’imagination de Dennis Havlena, qui, en 2007, a eu l’idée géniale de transformer une bonbonne de propane en acier en un instrument de musique. Le résultat ? Un instrument au son envoûtant, apaisant, capable de calmer les esprits les plus agités.

Le tongue drum est aussi appelé tank drum ou hank drum. Sa forme rappelle celle d’une soucoupe volante, ce qui lui donne un aspect à la fois moderne et ancien. Pour jouer de cet instrument, rien de plus simple : il suffit de frapper doucement avec les doigts ou avec des mailloches les « langues » d’acier découpées sur la surface de l’instrument. Chaque langue produit une note différente, et l’ensemble donne une mélodie douce et envoûtante.

Mais ce n’est pas tout. Le tongue drum a un pouvoir mystique, une capacité à nous transporter dans un état de méditation profonde. Pourquoi ? Eh bien, nous allons le découvrir ensemble ! Il est temps de remonter le fil du temps et de partir à la découverte des origines du tongue drum.

Les origines mystiques du tongue drum

Bien qu’il soit difficile de déterminer les origines exactes du tongue drum, les experts de cet instrument s’accordent à dire qu’il est inspiré des tambours d’acier caribéens et sud-américains, ainsi que des instruments à percussion africains et dominicains.

Pour comprendre les racines profondes du tongue drum, il faut remonter à des temps immémoriaux, où musique et spiritualité étaient inextricablement liées. L’ancêtre du tongue drum se trouve en effet dans les cultures ancestrales d’Afrique, d’Amérique du Sud et d’Asie, où le rythme et la vibration étaient utilisés pour la guérison, la célébration et le voyage spirituel.

L’Aztec Teponaztli, le Balafon africain ou encore le Mridangam indien, tous ces instruments à percussion partageaient une caractéristique commune : ils étaient taillés ou creusés de manière à produire des notes différentes lorsqu’ils étaient frappés. Ils ont servi de base pour la création du tongue drum moderne.

Mais la magie du tongue drum ne réside pas seulement dans ses origines ancestrales. C’est aussi un triomphe de l’ingéniosité humaine et de la transformation créative.

Le tongue drum dans le monde :

Comme beaucoup d’instruments de musique, le tongue drum a évolué et s’est adapté à différentes cultures et pratiques à travers le monde. Cette richesse et cette diversité ajoutent à son charme et à sa polyvalence, rendant chaque drum unique à sa manière.

Des variations selon les cultures

A l’échelle mondiale, le tongue drum a pris différentes formes et a été adopté par diverses cultures, chacune apportant sa propre interprétation et son propre style de jeu. Par exemple, dans certaines parties d’Afrique, les drums peuvent être utilisés dans des cérémonies traditionnelles et des festivals, souvent accompagnés de danses et de chants.

En Europe et en Amérique, le tongue drum a trouvé une place au sein de la communauté des musiciens de rue, des pratiquants de yoga et des thérapeutes sonores. Il a même été adopté par certains musiciens professionnels pour ajouter une touche unique et mélodique à leur musique.

De même, en Asie, le tongue drum est parfois utilisé dans les temples et les centres de méditation pour aider à induire un état de relaxation profonde et favoriser la pleine conscience.

Des évolutions fascinantes

Au fil du temps, le tongue drum a également évolué techniquement. Les premiers modèles, fabriqués à partir de bouteilles de gaz en acier recyclées, ont été progressivement remplacés par des instruments fabriqués à partir de matériaux spécialement choisis pour leurs propriétés acoustiques.

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Les racines Africaines :

L’histoire du bottleneck débute bien avant l’apparition des premières Cigar Box Guitars. Ses origines plongent en Afrique, où des instruments à cordes tels que la kora ou le n’goni étaient déjà joués à l’aide de procédés proches. En traversant l’Atlantique avec les esclaves africains, ces pratiques musicales ont posé les fondations de ce qui donnera naissance, plus tard, au blues.

L’adaptation en Amérique :

Sur le sol américain, les esclaves africains et leurs descendants ont commencé à concevoir des instruments à partir de matériaux de récupération, notamment des boîtes à cigares, donnant ainsi naissance aux premières Cigar Box Guitars. Pour faire vibrer les cordes, ils utilisaient des objets du quotidien — os, lames de couteau, puis plus tard tubes de verre ou de métal — qu’ils faisaient glisser le long du manche. C’est ainsi qu’est née la technique du bottleneck, capable de produire un son profond, chargé d’émotion et de mélancolie, devenu emblématique du blues.

Le blues du Delta et ses pionniers :

Le Delta du Mississippi est largement reconnu comme le berceau du blues, et c’est dans cette région que la technique du bottleneck a trouvé toute sa puissance expressive. Des figures mythiques telles que Robert Johnson ou Son House s’en sont emparées pour transmettre des émotions à vif et raconter des histoires de vie, d’amour et de perte. Interprétée sur des Cigar Box Guitars, leur musique, portée par le bottleneck, a su saisir toute la profondeur et l’âme du Sud des États-Unis.

Du blues au rock :

Le parcours du bottleneck, depuis ses origines profondément enracinées dans le blues jusqu’à son adoption par le rock, raconte une évolution marquée par la transformation et l’adaptation. Issue d’une expression brute et chargée d’émotion, cette technique a su s’imposer dans l’univers bouillonnant et novateur du rock ’n’ roll, où elle a trouvé un nouveau souffle et une énergie renouvelée.

L’adoption par les pionniers du rock :

Dans les années 1950 et 1960, alors que le rock ’n’ roll conquiert l’Amérique puis le reste du monde, des figures emblématiques comme Elvis Presley et Chuck Berry occupent le devant de la scène. Parallèlement, un courant plus discret mais tout aussi déterminant émerge : des guitaristes de rock, nourris par l’expressivité du blues, commencent à explorer la technique du bottleneck. En l’intégrant à leur jeu, ils apportent une nouvelle palette sonore à leur musique, enrichissant le rock de textures profondes, vibrantes et chargées d’émotion.

L’influence sur le son et le style du rock :

Le bottleneck a ouvert de nouvelles perspectives sonores au rock, offrant aux guitaristes la possibilité d’explorer des textures plus fluides et intensément expressives. Grâce à cette technique, des effets de glissando et de vibrato inédits ont vu le jour, impossibles à reproduire avec le jeu de guitare traditionnel. Son timbre reconnaissable, fait de notes tenues et de transitions souples, a insufflé au rock une profondeur supplémentaire, mêlant sophistication et charge émotionnelle.

L’évolution des matériaux et des techniques :

Avec l’essor du rock, les matériaux et les approches liés au bottleneck ont eux aussi connu une véritable évolution. Les guitaristes ont exploré une variété de slides — en verre, en métal ou en céramique — chacun apportant une couleur sonore distincte. Parallèlement, les techniques de jeu se sont affinées, permettant l’utilisation du bottleneck non plus seulement comme un effet, mais comme un véritable outil d’expression, capable de produire des mélodies élaborées et des sonorités novatrices.

En définitive, le bottleneck est bien plus qu’une simple technique de jeu : il est une porte ouverte sur l’histoire, une voix pour l’âme et un élément essentiel de l’identité de la Cigar Box Guitar. De ses origines modestes en Afrique à son influence sur les musiques contemporaines, il a traversé les époques et les continents, séduisant aussi bien les musiciens que les auditeurs aux quatre coins du monde.

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L’origine de la kalimba

Les origines de la kalimba se trouvent en Afrique où cet instrument aurait été inventé deux fois : il y a environ 3000 ans sur la côte Ouest vers le Cameroun, comme instrument complètement en bois avec des lamelles en bambou, rotin ou palmier, et il y a environ 1300 ans au Zambèze où on en retrouve des traces avec des lamelles en métal. 

Kalimba est le nom donné par l’ethnomusicologue Hugh Tracey dans les années 1950 lorsqu’il a commencé à introduire en Occident cet instrument de musique d’origine africaine, appelé mbira par le groupe ethnique Shonas du Zimbabwe. La mbira est un instrument emblématique de la culture Shonas.
Cet instrument porte plusieurs noms selon l’aire géographique où il est utilisé : likembe, sanza ou senza au Cameroun et Congo, mbira au Zimbabwe et Malawi, lukeme, karimba en Ouganda…

L’histoire de la kalimba

Son histoire est intimement liée à celle des peuples d’Afrique, où il joue un rôle central dans les cérémonies, les rituels et la vie quotidienne depuis des siècles. Le timbre doux de ses lames métalliques a bercé des générations, transmettant des contes, des histoires et des leçons de vie. Malgré sa simplicité apparente, la kalimba est capable d’une grande expressivité, reflétant les richesses des cultures africaines.

Avec l’avènement de la mondialisation, la kalimba a franchi les frontières de son berceau africain pour séduire des musiciens et des amateurs de musique du monde entier. Sa sonorité unique a inspiré des artistes de tous genres, le faisant résonner bien au-delà des cercles traditionnels.

Finalement, peu de traces ont été découvertes concernant ces Pianos à Pouces avec des touches en bambou. Toujours selon les découvertes archéologiques actuelles, la Kalimba aurait par la suite totalement disparu, mais aurait refait surface un millénaire plus tard à l’autre bout du continent sous une nouvelle forme.

Signification culturelle

Dans les sociétés africaines traditionnelles, la kalimba était bien plus qu’un instrument de musique. Il servait de moyen de communication avec les ancêtres, jouant un rôle crucial dans les rituels et les cérémonies, tels que les mariages, les funérailles et les rites d’initiation. La musique de la kalimba accompagnait les contes et les histoires, transmettant le savoir et les traditions de manière mélodique et captivante.

La Kalimba est un instrument de percussion faisant partie des lamellophones

La kalimba est un instrument de la famille des idiophones qui se caractérisent par une structure simple et qui produisent les sons grâce aux vibrations de la matière-même qui constitue leur corps. C’est un instrument de percussion.
C’est plus précisément un lamellophone dont le corps est constitué d’une caisse de résonance en bois ou d’une planche en bois sur laquelle sont fixées des lamelles métalliques de différentes tailles et formes serrées entre deux ou trois barres transversales. Chaque lamelle produit une note.

On peut trouver de 5 à 6 lamelles pour les kalimbas les plus simples jusqu’à plus de 20 lamelles pour les plus élaborées.
La kalimba est facilement transportable. On en joue en la prenant dans ses deux mains et en faisant vibrer les lamelles avec les pouces.
En Afrique, la mbira est un instrument utilisé par les griots, les conteurs, pour accompagner  des chants et des récits. Il sert aussi aux médiums pour entrer dans des transes mystiques et communiquer avec les ancêtres disparus. On en joue lors de rassemblements publics tels que cérémonies, rituels, mariages ou dans un cadre familial intime lorsque des histoires sont transmises.

Évolution

Avec le temps, la kalimba a évolué, tant dans sa construction que dans ses usages. Les matériaux utilisés pour sa fabrication, initialement constitués de bois et de bambou, se sont diversifiés pour inclure des lamelles métalliques, offrant une plus grande variété de sons et une meilleure résonance. Cette évolution a contribué à enrichir le répertoire musical de la kalimba et à étendre son influence.

La plus grosse évolution du modèle proposé par l’ethnomusicologue est que l’Instrument s’avère être maintenant accordé selon la gamme diatonique. C’est-à-dire que les notes de musiques jouables par le Kalimba sont désormais celles utilisées par la musique occidentale, à savoir Do, Ré, Mi, Fa, Sol, La et Si. Exactement comme dans une guitare électrique, un ukulélé, d’autres instruments à cordes ou encore ceux à clavier tel le piano. Avant cela, les Pianos à Pouces n’étaient pas vraiment harmonisés entre eux et les lamelles étaient accordées à des sonorités un peu aléatoires. Le Musicien arrangeant alors le Piano à Doigts comme il l’entendait. Le Kalimba d’Hugh Tracey dispose dorénavant de 15 lames et se trouve être accordé en Sol majeur, ce qui lui permet d’interpréter des partitions très mélodiques.

Son développement

Les mouvements migratoires et les échanges commerciaux ont facilités sont expansion.
Chaque région d’Afrique a développé sa propre version de la kalimba, adaptée à ses traditions musicales et culturelles. Ainsi, l’instrument se décline sous de nombreux noms et formes, reflétant la richesse et la diversité du continent africain.

Grâce à sa prise en main aisée, comparable à celle d’un instrument à touches ou d’un petit clavier, la kalimba s’est facilement répandue à travers l’Afrique. Son caractère intuitif en fait un instrument accessible même aux néophytes du monde des percussions.

Dans les pays anglophones, on la surnomme souvent thumb piano, littéralement « piano à pouces ». À l’instar du piano, il est possible d’en jouer en gamme majeure ou mineure, selon l’accord choisi. Ce simple ajustement permet de moduler les ambiances musicales, passant de sonorités joyeuses à des tonalités plus douces et mélancoliques.

L’influence de la kalimba ne se limite pas à l’Afrique : elle a su séduire des artistes et enrichir des genres musicaux du monde entier. Sa sonorité unique a trouvé sa place dans le jazz, la musique classique, le folk, et même l’électronique, où des musiciens venus de divers horizons explorent ses possibilités harmoniques et rythmiques.
Cette rencontre des styles a non seulement contribué à l’enrichissement de la scène musicale internationale, mais elle a également permis de valoriser les instruments traditionnels dans un contexte contemporain. Bien que la kalimba ne soit, à la base, qu’un simple jeu de lames que l’on fait vibrer avec les pouces, son rendu sonore peut paraître étonnamment inédit lorsqu’il s’intègre dans des environnements musicaux auxquels on n’est pas habitué.
De nombreux artistes et groupes ont popularisé son utilisation : on peut citer Tracy Chapman, Peter Gabriel, les Beach Boys ou encore Cat Stevens. L’instrument apparaît même dans certaines compositions des Red Hot Chili Peppers, démontrant son incroyable capacité à traverser les genres et les époques.

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Car le saxo, comme le surnomment affectueusement les musiciens, n’est pas né avec le jazz. Il est apparu au XIXe siècle et son créateur Adolphe Sax voulait d’ailleurs en faire un grand instrument de l’orchestre.

De l’ambition de son inventeur à sa réappropriation par les jazzmen, les Pink Floyd ou les Beatles, voici la petite histoire du saxophone, un instrument à mille facettes !

Le saxo, c’est du vent !

Ce n’est pas parce que le saxophone est fabriqué en laiton (mélange de cuivre et de zinc) ou en argent qu’il appartient à la famille des cuivres ! Le saxophone se classe parmi les instruments à vent de la famille des bois, et ce, parce que son bec possède une anche, soit une petite lamelle qui, sous l’effet de l’air expiré par le musicien, vibre et produit ainsi du son.

Le père des Sax

Louis de Béchameil trouva la recette d’une fameuse sauce, la famille Jacuzzi mit au point un bain chauffant thérapeutique, Eugène Poubelle fabrica l’objet du même nom… Adolphe Sax, lui, créa le saxophone. Né d’un père facteur d’instruments, Adolphe Sax ne se lasse pas de chercher, d’expérimenter, de perfectionner les instruments de l’entreprise familiale… C’est ainsi qu’au début des années 1840, il donne naissance à un nouvel instrument : le saxophon (qui n’a pas encore reçu son e).

Au coeur de la révolution industrielle

En 1841, Monsieur Sax présente son saxophon au jury de l’Exposition de l’industrie belge. Une exposition industrielle et non un concert ou salon musical, car son invention s’inscrit bien dans la lignée des grandes innovations de son siècle.

Au XIXe, la facture d’instrument européenne vit une véritable mutation. Les fabricants s’inspirent des innovations mécaniques (la machine à vapeur, par exemple), se mettent à utiliser des matériaux différents (du métal pour les flûtes, entre autres), ce qui donne parfois naissance à de tous nouveaux instruments : le cor à pistons, le tuba et… le saxophone !

Dans le rapport de l’Exposition de l’industrie belge (1841), on peut ainsi lire : « Le premier facteur belge qui fit des efforts efficaces pour parvenir à cette émancipation industrielle fut M. Sax ». Adolphe Sax, fierté industrielle nationale. Sauf que l’inventeur va plier bagages pour Paris…

Monsieur Sax à Paris

Car c’est à Paris que se trouve le fleuron de la facture instrumentale du XIXe siècle. Le compositeur et critique musical Hector Berlioz surveille d’ailleurs de près cette petite révolution. Dans la deuxième édition de son Traité d’instrumentation parue en 1855, il ne manque pas de passer au crible les nouveaux instruments de son époque, ceux de Monsieur Sax, notamment.

A propos du saxophone, Berlioz se montre très enthousiaste. Il n’en faut pas plus pour convaincre Adolphe Sax de s’installer à Paris. Il ouvre sa propre fabrique, rue Neuve-Saint-Georges, et affronte vaillamment la rivalité des facteurs d’instruments parisiens, déjà bien installés, et méfiants vis-à-vis de cet ambitieux ‘étranger’.

Du saxophone dans l’orchestre

« Ces nouvelles voix données à l’orchestre possèdent des qualités rares et précieuses », écrit Berlioz à propos des instruments de Monsieur Sax.

Vous avez bien lu : l’instrument d’Adolphe Sax est donné « à l’orchestre ». Car si on entend d’abord (et majoritairement) le saxophone parmi les instruments des fanfares militaires, il est aussi adopté par les ‘grands’ compositeurs.

Hector Berlioz en premier lieu, l’utilise dès 1844 dans son Chant sacré. Puis Georges bizet s’en empare pour son Arlésienne ou jules Massenet dans son opéra Werther. Un intérêt qui ne diminue pas : au XXe siècle, le saxophone inspireClaude Debussy (Rhapsodie pour orchestre et saxophone), Maurice Ravel (dans le célèbre Boléro), Sergei Prokofiev (pour son ballet Roméo et Juliette) et bien d’autres encore.

Gold Men Sax

Ceux qui vont définitivement donner toutes ses lettres de noblesse au saxophone, qui vont en faire un instrument soliste, ce sont les jazzmen.

Pourquoi cet engouement ? Il pourrait y avoir autant de réponses que de saxophonistes, mais il semble que les artistes jazz aient trouvé dans cet instrument une inépuisable ressource sonore, une expressivité proche de la voix, et un son riche de mille et une nuances. On ne compte plus les jazzmen devenus rois du saxo.

De plus, le saxophone séduit par sa ‘marginalité’. Bien qu’admis parmi les instruments de l’orchestre, il est toujours mis à l’écart des grands solos du répertoire classique. En France, il faut d’ailleurs attendre 1942 pour que s’ouvre enfin au Conservatoire National de Paris une classe dédiée au saxophone. La filière est créée par un certain Marcel Mule…

Marcel, le prince des instruments à vent

On ne peut aborder le saxophone sans citer l’un de ses plus grands maîtres : Marcel Mule. Né en 1901, mort en 2001. Son père est saxophoniste dans la fanfare du village, mais il souhaite que son fils devienne instituteur. Marcel obéit d’abord à la volonté paternelle mais, têtu comme un(e) Mule, passionné de saxo, il finit par rejoindre l’orchestre de la Garde Républicaine.

Marcel Mule devient très vite le plus important saxophoniste français du XXe siècle : il participe notamment à la création du Boléro de Ravel, en 1928, et enseigne pendant vingt-six ans dans la classe de saxophone du Conservatoire de Paris. Marcel Mule a ainsi formé toute une génération d’interprètes reconnus, assurant au saxophone un bel avenir.

Saxo Pop !

Tout au long du XXe siècle, au-delà des frontières du jazz ou du répertoire dit classique, le saxophone inspire. Tous se le réapproprient. Les compositeurs de musique contemporaine, notamment : Luciano Berio, Philip Glass, John Adams…Ils ont tous les trois exploré les différentes nuances et facettes du saxophone. Côté pop, le saxophone a conquis le cœur du grand public grâce à des solos devenus mythiques : dans Lady Madonna (1968) des Beatles, Money (1973) des Pink Floyd ou The Logical Song (1979) du groupe Supertramp.

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faites un point sur vous-même!

Identifiez vos goûts musicaux et vos préférences.

Avant de choisir un instrument, il est essentiel de réfléchir à vos goûts musicaux. Quel genre de musique vous attire le plus? Êtes-vous fan de rock, de jazz, de musique classique ou de pop? Identifiez les styles qui vous inspirent et écoutez attentivement les instruments utilisés dans ces genres. Cela vous donnera une idée du son et du timbre que vous souhaitez produire. Vous pourrez ainsi orienter votre choix vers un instrument spécifique.

Tenez compte de votre personnalité et de votre style de vie.

Votre personnalité et votre style de vie jouent également un rôle dans le choix de l’instrument. Si vous êtes dynamique et aimez être au centre de l’attention, des instruments tels que la guitare électrique ou la batterie pourraient correspondre à votre énergie. Si vous préférez une approche plus calme et introspective, des instruments tels que le piano ou le violon pourraient mieux vous convenir. Considérez également l’espace dont vous disposez à la maison et les contraintes de votre emploi du temps pour choisir un instrument adapté à votre style de vie.

Concernant l’instrument lui-même.

Avant de prendre une décision finale, il est recommandé d’essayer différents instruments. Rendez-vous dans un magasin de musique ou prenez des cours d’initiation pour tester quelques options. Jouez quelques notes, ressentez la texture des touches, écoutez attentivement les sons produits. Essayez de vous familiariser avec la sensation de chaque instrument pour déterminer celui qui vous procure le plus de plaisir et d’aisance. Laissez votre instinct guider votre choix.

Considérez votre budget et la disponibilité de l’instrument.

Bien que la passion pour la musique soit inestimable, il est important de prendre en compte votre budget. Les instruments peuvent varier considérablement en termes de prix. Définissez une fourchette de prix réaliste et renseignez-vous sur les options disponibles dans votre gamme de prix. Vous pouvez également envisager de louer un instrument au début pour voir si vous vous engagez pleinement avant d’investir dans un achat. Assurez-vous également que l’instrument que vous choisissez est facilement disponible pour l’achat ou la location.

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Nous conseillons aux batteurs de débuter avec des baguettes 7A quand ils ont moins de 14 ans. Au-delà de 14 ans nous conseillons une taille légèrement plus importante avec des baguettes 5A.

La matière d’une baguette, c’est avant tout une influence sur son son et sur sa réponse. Un son chaud pour le bois, plus brillant pour les matériaux alternatifs (nylon, métal…). Pour ce qui est des baguettes traditionnelles en bois, le type de bois influe également sur le confort : plus un matériau est dense, plus vos poignets adorés ressentiront les vibrations de l’impact des baguettes sur vos peaux et vos cerclages. Des bois légers, peu denses, seront donc considérés comme plus confortables.

Les tailles de baguettes

Comment est constituée une baguette?

Elle comprend deux parties, l’olive et le manche :

L’olive

A l’extrémité de la baguette, on trouve l’olive, dont la forme et la composition doivent également être prises en compte. Le plus souvent, elles sont taillées dans le même bois que celui de la baguette (et ont les mêmes caractéristiques qu’énoncées ci-dessus), mais elles peuvent également être en nylon ou en métal, produisant alors des sons plus brillants.

Pour ce qui est de ses formes, il faut retenir qu’une petite surface de contact produira des sons clairs et définis, tandis qu’une large surface donnera des sonorités plus riches et sombres.

Le manche

Le manche est constitué d’un col (partie plus fine qui se situe en dessous de l’olive) et d’un corps (partie de la baguette en contact avec la main). En grande majorité les baguettes sont faites en Hickory (noyer blanc) qui est un bois équilibré, souple et résistant.

On en trouve des plus grosses faites en Érable car ce bois est moins dense. Il permet donc de faire des baguettes plus imposantes en conservant un poids raisonnable. Il existe également des baguettes en Chêne, moins répandues. Le chêne est un bois plus dense et lourd.

Les baguettes spécifiques

Les balais : Utilisés dans le jazz et les musiques acoustiques, ils sont composés de fines tiges de métal (ou de plastiques) formant un éventail. Ils créent un rythme de fond particulièrement doux et léger.

Les rods : Ils consistent en plusieurs tiges de bois liées en fagot. Idéal si vous voulez un volume sonore plus faible quand vous jouez, ils produisent un son plus doux et plus feutré que les baguettes.

Les mailloches : Majoritairement utilisées pour les percussions classiques, en orchestre ou en fanfare. Ce sont des baguettes, terminées par une boule en feutre ou en laine.

Quand faut -il les changer?

Quand elles cassent ou quand l’olive est abimée. Si vous jouez avec des baguettes usées cela risque d’abimer vos peaux de batterie voire de les percer. C’est beaucoup moins coûteux et plus rapide de changer ses baguettes que ses peaux. Surtout si vous avez passé du temps sur leur accordage. Si le modèle de baguette que vous avez en votre possession vous convient, n’hésitez pas à en acheter plusieurs paires pour toujours en avoir une sous la main.

Et pour une batterie électronique quelles différences?

Ce sont avant tout la puissance et la zone de frappe qui seront prises en compte par votre batterie. Les matériaux de votre baguette n’auront que très peu d’incidence sur le son, tout comme ses dimensions. Faites votre choix en prenant avant tout en compte votre confort personnel.

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Le cajón a été inventé au Pérou et a été mentionné pour la première fois sous forme écrite au milieu du 19ème siècle. Cependant, l’origine remonte à deux siècles plus tôt, à l’époque où les esclaves d’origine africaine n’avaient pas le droit de jouer du tambour, et où ils durent donc trouver un objet pour le remplacer. Le premier cajón aurait donc pu ressembler simplement à une caisse en bois destinée à la cueillette des fruits ou à la pêche des poissons. C’est le guitariste espagnol de flamenco Paco de Lucia qui le rendit populaire en Europe vers la fin des années 70. Depuis les années 90, les cajóns sont de plus en plus utilisés dans la musique pop.

Pourquoi fait t-il tant d’adeptes ?

C’est un instrument pratique, facile à transporter, qui ne prend pas beaucoup de place, et qui peut être appris assez rapidement. Une fois assis dessus et après avoir appris les coups de base de caisse claire (bord supérieur) et de basse (vers le milieu), les premiers rythmes simples peuvent être joués. Le tout est bien sûr beaucoup plus amusant au sein d’un ensemble de percussionnistes.

Quels sont les types de construction les plus répandus?

De nos jours, les cajóns ont généralement une taille de 48 x 30 x 30 cm, et à l’exception de certains modèles de classe supérieure en bois massif, ces derniers sont fabriqués principalement en contreplaqué de bouleau et de hêtre. La plupart des cajóns sont équipés de cordes de guitare ou de basse ou d’un système de timbre de caisse claire de batterie situé sous la plaque supérieure, qui vibre lors de la frappe de l’instrument.

Les cajóns équipés de cordes viennent d’Espagne et sont populaires pour leur réponse claire et sensible. La sonorité est plutôt sèche avec une très bonne séparation des sons de basse et de caisse claire.

Le cajóns à timbre permet un jeu plus vif et la simulation parfaite de grooves de batterie. Les versions basiques sont équipées d’un demi timbre de caisse claire pressé contre la surface arrière qui réagit lors d’impulsions sur la surface de frappe.

Certains modèles de cajóns , avec leurs timbres amovibles , ou encore les timbres réglables et amovibles, offrent de meilleures possibilités de réglages par rapport aux simples cajóns à timbre.

La troisième variante de cajóns moins fréquente sont les cajóns afro-péruviens. Ils ne sont ni équipés de cordes, ni de timbre et sont particulièrement appréciés pour leur son boisé, notamment par les musiciens de flamenco.

Cajóns de voyage, cajóns pour enfants, et cajóns DIY

Outre les cajóns de taille standard mentionnés ci-dessus, les fabricants ont créé quelques variations intéressantes ces dernières années. Il existe des cajóns pour enfants avec des dimensions plus petites. Les musiciens nomades qui préfèrent des modèles plus maniables trouveront leur bonheur avec le Cajinto ou le Meinl Slap Top Cajon.
Et pour tous les bricoleurs ne souhaitant pas acquérir un modèle monté, mais préférant construire eux-mêmes leur instrument, il existe même des cajóns en kit DIY.

Cajóns hybrides – mélanger le jeu acoustique avec des sons électroniques

Le dernier cri est de mélanger les sons acoustiques de cajón avec des échantillons électroniques. Le modèle est équipé de triggers derrière la surface de frappe permettant de déclencher des sons en fonction de la dynamique de jeu. Un fabricant espagnol a créé un cajón hybride appelé Centaur équipé de trois surfaces de jeu/triggers sur le côté qui offre aussi la possibilité d’importer vos propres sons. Enfin, pour les percussionnistes souhaitant expérimenter des sons électroniques sans se séparer de leur instrument, un module de sons avec microphone à clip qui se fixe facilement à un cajón.

Accessoires

Un cajón doit être protégé dans une housse lors d’un déplacement. Il existe également toutes sortes d’accessoires pratiques et novateurs. Pour ceux qui aiment avoir les mains libres afin de jouer d’autres instruments, ou encore utiliser le cajón avec d’autres percussions, une pédale pour cajón peut être utile.

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Ces petits appareils permettent de modifier le signal émis par notre instrument pour en modifier le son. Pourtant, même pour certains guitaristes confirmés, ce monde reste un mystère, car il en existe un nombre incroyable, ce qui a vite fait de nous perdre. Il est possible de diviser les pédales de guitare en quatre catégories, ce qui te permettra de te repérer plus facilement dans ce vaste univers.

Dans un premier temps, il est important d’avoir un bon son sans effets.

Ensuite, pour te faire plaisir, pour les besoins du style de musique que tu souhaites jouer ou encore pour imiter ou te rapprocher du son de ton guitariste préféré, tu vas peut-être commencer à t’intéresser aux effets…

Certains effets se trouvent parfois déjà sur notre ampli comme la reverb, le delay ou encore l’overdrive (et beaucoup plus sur les amplis de modélisations dont on ne parlera pas ici, puisque tu ne devrais pas avoir besoin de pédale de guitare externe si tu as déjà les effets sur ton ampli !).

Ces petites boîtes se transportent partout et se branchent sur la plupart des amplis très simplement, ainsi, tu auras toujours ton son (ou du moins ce qui s’en rapprochera selon le type d’ampli que tu utiliseras) partout avec toi.

Quand tu n’as qu’un ampli sans vraiment d’effets, il pourra alors t’être utile d’ajouter certaines pédales externes afin d’obtenir le son que tu veux.‍

On parle ici d’effets externes de type pédale de guitare que tu vas pouvoir activer avec ton pied pour modifier le son (de manière analogique en général).

D’autres types de pédales existent regroupant des modélisations numériques de pédales analogiques et d’amplis connus : les multi-effets dont nous parlerons à la fin de cet article.‍

Ce qui va distinguer les différentes pédales que l’on va pouvoir trouver sur le marché sont les composants électroniques qui vont modifier le son d’une certaine façon afin de générer un effet particulier qui sera réglable à l’aide de boutons (potentiomètres).

Découvrons à présent cet univers gigantesque des pédales d’effets !

Les pédales de saturation

La saturation vient d’une amplification du signal sonore qui va le déformer. On obtiendra un son plus ou moins agressif avec un certain sustain, c’est-à-dire que la note va durer après avoir été jouée.‍

Ce type d’effet est probablement le plus utilisé en guitare électrique, notamment dans les styles blues, pop-rock et metal.‍

Il y a différentes pédales de guitare électrique dans cette catégorie, qui se définissent par leur intensité de saturation.

Le crunch

Le crunch est l’effet le plus léger.

Il a un son clair qui ne sature que sur les attaques franches.‍

Ce niveau de saturation peut être atteint avec un ampli à lampe poussé un peu.

Toutefois, certaines pédales l’imitent.‍

Cet effet est surtout utilisé dans le blues.‍

Beaucoup de guitaristes n’achèteront pas une pédale de guitare spéciale pour le crunch.

En effet, d’autres pédales comme les overdrive permettent de plus ou moins recréer ce son.

L’overdrive‍

Le niveau supérieur de saturation concerne les pédales d’overdrive, qui vont imiter un ampli à lampe surchargé.‍

On retrouve cet effet dans le blues et le rock old school.‍

À leurs débuts, les pédales d’overdrive étaient plus “crémeuses” que les fuzz et s’approchaient du son d’un bon ampli à lampes qui sature.

La distorsion‍

La distorsion est un overdrive exagéré avec un fort taux de saturation.‍

On retrouve cet effet dans le metal ou le rock récent car le son vif et tranchant est bien adapté aux solos enflammés !

Les différents types de distorsion qui existent sont assez impressionnants, de la riche et lisse à la plus perçante.

Le son est globalement plus sale et agressif que sur l’overdrive, avec plus de gain.

Le fuzz‍

Enfin, la pédale de fuzz est l’effet à la saturation maximum, imitant un ampli défectueux.‍

Le son est typiquement rétro et on retrouve le fuzz dans de vieux albums de grands groupes de rock comme les Doors, Led Zeppelin ou Jimi Hendrix.‍

Ce style de pédale guitare fut très utilisé dans les années 60.

Souvent, la fuzz va complètement changer le son de l’ampli, alors fait bien attention de choisir l’effet que tu recherches.‍

Attention aux types de transistors sur les fuzz, ceux au germanium sont faits pour un son plus chaud et bluesy mais sont plus fragiles.

Pour un bon niveau de gain et un son un peu plus moderne, opte pour le modèle au silicium.

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Les pédales de modulation

Nous allons maintenant évoquer les pédales de modulation.‍

Une pédale de modulation permet de sculpter le son, de modifier la hauteur du signal et donc d’obtenir une grande variété d’effets.‍

Voici une petite sélection de pédales d’effet de modulation.‍

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L’effet de chorus‍

C’est certainement l’effet le plus répandu parmi les pédales de modulation. Il a été très utilisé dans les années 80.‍

C’est un effet qui consiste à épaissir le son en démultipliant le son d’origine sur différentes fréquences tout en le retardant.‍

Il peut donner l’impression de jouer avec quelqu’un qui fait la même chose que nous en même temps, c’est l’effet « chœur ».‍

Utilisé sur un son saturé, comme chez Zakk Wylde, il donnera une épaisseur et une couleur supplémentaire à notre solo et pourra aider nos phrases à sortir d’un contexte sonore très fourni.

‍En son clair, on a une impression aérienne et une couleur particulière.‍

S’il est bien utilisé, le chorus peut donner l’effet d’une guitare 12 cordes.‍

Il faut faire attention, car si le chorus est sur-utilisé, il peut donner un côté kitch ou ringard. En effet, il est souvent mal aimé du fait de sa connotation années 80 et pop-rock surproduite.‍

Il faut donc bien savoir l’utiliser, la clé est de ne pas trop en faire, on gagnera ainsi en profondeur.‍

Tu pourras en entendre sur l’intro de Metallica « Enter Sandman » ou encore « Nothing Else Matters ».‍

Le chorus est également utile pour épaissir une basse, une guitare solo ou rythmique.

Il peut aussi doubler une guitare acoustique dont les médiums sont un peu limites.

L’effet de flanger‍

C’est la pédale de guitare la plus extrême des trois.

On dit souvent qu’elle donne l’impression d’un avion qui décolle.

C’est aussi la meilleure amie des joueurs de métal !‍

Ces pédales imitent l’effet obtenu dans les années 60 pendant les expérimentations de studio.

On enregistrait un même morceau avec deux magnétophones, ce qui donnait un effet un peu désynchronisé, une sorte de phasing.‍

Puis, les ingénieurs ralentissaient l’un des magnétophones en pressant sur le bord du cylindre d’entraînement de la bande (appelé flange en anglais).

Le décalage entre les deux magnétophones devient ainsi plus prononcé.‍

Le premier exemple de flanging stéréo de l’histoire se trouve à la fin de “Bold as Love” de Jimi Hendrix.‍

L’effet utilise un delay très court associé à un oscillateur.

Utilisé avec parcimonie, le flanger donne un son ressemblant à un synthétiseur.

Si au contraire, on le pousse au maximum, il va donner à notre solo une nouvelle dimension et plus de puissance.‍

Le modèle phare très largement utilisé par Eddie Van Halen est le MXR M-117R Flanger.‍

L’effet de phaser‍

Beaucoup de guitaristes confondent l’effet de phaser et de flanger.

Pourtant, le son produit est bien différent.‍

Le phaser est créé électroniquement grâce à une série de filtres associés avec un oscillateur basse fréquence alors que le flanger utilise un delay très court.‍

Le phaser a donc un effet très planant, donnant un effet de vague sur les fréquences du signal.

Il n’a pas vraiment d’équivalent dans la réalité, alors que le flanger est similaire à un effet que l’on peut rencontrer dans la nature appelé “effet doppler”.‍

Un Phaser est utilisable dans tout genre musical, mais il est très utilisé en son clair dans le reggae (tu pourras l’entendre sur le solo de “No Woman no Cry” de Bob Marley sur son “Live au Lyceum”) ou en funk comme alternative à la Wah Wah. ‍

En saturé, il sert à grossir le son (dont sont friands Brian May de Queen ou Eddie Van Halen dans les intros de “Atomic Punk” ou “Ain’t Talking about Love”).

Le vibrato‍

Les pédales de vibrato et trémolo sont souvent confondues.

Il est tout de même intéressant de savoir les différencier.

Le vibrato permet de varier la hauteur du signal, jusqu’à créer un effet vocal et rythmique, parfois même de désaccordage.

C’est l’un des effets de guitare les plus vieux.

Les réglages les plus communs sont la hauteur de l’intervalle et la vitesse du cycle.‍

Le vibrato ajoute du mouvement au son, sans l’effet saccadé du trémolo.

Le vibrato donne une sensation beaucoup plus fluide.

‍Jimi Hendrix utilisait beaucoup l’Uni-Vibe par exemple.

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Le trémolo

Le trémolo, lui, fait simplement varier le volume du signal à un intervalle prédéfini.

Il sonne comme si tu jouais une note puisque tu tournes le bouton de volume de haut en bas.‍

De manière générale, il sera possible de régler la vitesse et la profondeur sur ces pédales. Tu pourras avoir un effet subtil qui sera très doux à l’oreille (comme dans “Born on the Bayou”de Creedence Clearwater Revival) ou plus intense, qui sera comme haché et accentuera un riff (que tu pourras entendre dans “Gimme Shelter” des Rolling Stones).

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Le rotary‍

Le rotary va donner l’effet d’un son tournant en imitant une cabine Leslie.‍

Mais qu’est-ce qu’une cabine Leslie ?‍

C’est un dispositif avec des hauts parleurs qui sont dirigés vers des diffuseurs rotatifs situés en haut et en bas de la cabine. Cela va créer un vibrato assez haché.‍

La cabine était originellement utilisée avec le célèbre orgue Hammond B3.

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Les pédales de pitch-shifter‍

Les pédales de pitch-shifter vont ajouter de la profondeur au son.‍

L’effet va permettre d’ajouter des notes à la note fondamentale ou bien de modifier cette dernière.

Les deux principales sont l’octaver et l’harmoniseur qui vont modifier la tonalité du son.‍

L’octaver va simplement transposer le son à une ou plusieurs octave(s) supérieure(s) ou inférieure(s) et donc avoir un son plus lourd ou plus léger.‍

Cela a un gros impact sur le résultat final, beaucoup plus lourd et riche en basses.

Les bassistes sont d’ailleurs des amateurs de cet effet.‍

On retrouve dans ses célèbres utilisateurs Jimi Hendrix, Tom Morello et Jack White.‍

L’harmoniseur va quant à lui, permettre de créer des intervalles autres que la simple octave, ce qui donne des effets d’harmonie.

Il est souvent utilisé en chant, mais marche bien pour la guitare ou la basse aussi.

‍Steve Vai utilisait beaucoup cet effet.‍

L’harmoniseur le plus connu est sans doute la Whammy de Digitech utilisée par Tom Morellocomme sur le célèbre titre “Killing in the Name”.

N’oublie pas qu’aucune des pédales de modulation proposées ne sonne de la même façon, elles ont chacune leur identité propre.

Dans une même catégorie, un modèle sera plus fait pour des sons chauds ou encore pour un certain style de jeu… Donc, je me répète, mais il faut savoir ce que l’on veut en faire et surtout tester avec sa guitare et son ampli.‍

Il existe encore d’autres pédales de modulation, mais nous avons résumé les principales.

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Les Vieilles Charrues, c’est une structure 100% associative portée par des valeurs fortes de solidarité, de développement durable et d’ancrage territorial, mais surtout quatre jours de fête et de musique ! Palmiers, décors exotiques et ambiance ensoleillée accompagneront une programmation musicale exceptionnelle : Zaho de Sagazan, Worakls Orchestra, Viagra Boys, Tiakola, The Kills, Sex Pistols & Frank Carter, Stereophonics, Martin Solveig, Ofenbach, Macklemore, Laylow, Last Train, Kompromat, Aurora, Alanis Morissette…

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