Les voix de la Terre

Quelle expression étrange, quand on y pense !
Comment peut-on parler d’une seule “musique” alors qu’il s’agit de milliers de traditions, de styles et de cultures différentes ?
Ce terme semble vouloir rassembler toutes les musiques venues d’ailleurs, comme si le monde entier chantait d’une seule voix. Et pourtant, derrière cette appellation un peu vague, on découvre une immense diversité de sons, d’instruments et de rythmes, venus de tous les continents.

C’est fascinant : la “musique du monde”, ce n’est pas seulement une catégorie musicale, c’est une rencontre entre les peuples, un dialogue sans frontières.

L’expression “musiques du monde” désigne en réalité toutes les formes musicales issues de différentes cultures et traditions à travers la planète, une sorte de rencontre sonore entre les peuples.

L’origine et l’évolution de l’expression musiques du monde

Le mot Weltmusik, qui signifie “musique du monde” en allemand, est apparu pour la première fois en 1906, sous la plume du musicologue Georg Capellen. Il rêvait alors d’un renouveau de la musique occidentale, qu’il imaginait possible grâce à des emprunts à des sonorités dites exotiques ou orientales.

À partir des années 1960, les ethnomusicologues ont commencé à utiliser le terme anglais world music pour parler des musiques traditionnelles propres à chaque pays ou région, qu’elles soient classiques, savantes ou populaires.

L’expression « musiques du monde » s’est réellement popularisée dans les années 1980, lorsque des artistes occidentaux célèbres comme Peter Gabriel, Paul Simon ou Sting ont commencé à intégrer des éléments non occidentaux dans leurs créations. Ce métissage musical est né à la fois d’une curiosité artistique et des nouvelles technologies, comme l’échantillonneur, capable de reproduire les sons d’instruments venus d’ailleurs.

Au fil du temps, d’autres appellations ont vu le jour : musiques exotiques, musiques ethniques, world beat, ethno pop, ou encore global sound. Ces termes témoignent du mélange croissant entre traditions locales et influences modernes comme le jazz, le rock ou la pop.

En 1985, lors d’une réunion à Londres, plusieurs producteurs  ont officialisé le concept marketing de la world music, destiné à promouvoir sur le marché occidental des musiques venues d’autres cultures. Rapidement, les disquaires ont utilisé cette étiquette pour classer à la fois des artistes traditionnels et des musiciens contemporains métissés, ce qui a entretenu une certaine confusion entre ces deux univers pourtant complémentaires.

Dans le monde francophone, l’expression a été traduite par « musiques du monde » ou « sono mondiale ». Cette dernière, popularisée dans les années 1980 par les journalistes, désignait le métissage des influences et la mondialisation du patrimoine musical. Paris a d’ailleurs joué un rôle central dans cette ouverture, en accueillant de nombreux artistes venus de divers horizons.

Aujourd’hui, le terme « musiques du monde » englobe à la fois les traditions musicales ancestrales et les créations hybrides issues de la mondialisation, témoignant de la richesse et de la diversité culturelle qui caractérisent notre époque.

Finalement, derrière cette appellation se cache bien plus qu’une étiquette musicale : c’est une histoire de voyages, de rencontres et de métissages entre les peuples.

Les voix du monde, une seule mélodie

les musiques du monde ne sont pas simplement une catégorie musicale : elles représentent la rencontre entre les cultures.
Nées d’échanges, de voyages et de métissages, elles montrent que la musique n’a ni frontières ni langue.
Ce terme, à l’origine purement descriptif, est devenu le symbole d’une ouverture artistique et humaine, où les traditions dialoguent avec la modernité.
Finalement, parler de “musiques du monde”, c’est célébrer la diversité sonore de notre planète et reconnaître que, partout, la musique reste un langage universel qui relie les peuples.

L’article Musiques du monde est apparu en premier sur Editions coup de pouce.

La première guitare basse est commercialisée en 1933 par Paul Tutmarc, mais le premier modèle produit en masse est la Precision Bass de Fender en 1951-1952. En dehors de la contrebasse, il n’existait jusqu’alors que quelques instruments à corde traditionnels dans cette tessiture comme le guitarrón mexicain, la balalaika russe dans ses versions basse et contrebasse, et dans certains pays africains ou arabes, comme la contrebassine ou le guembri.

Histoire et prototypes

En 1933, l’inventeur américain Paul Tutmarc crée une première basse électrique ayant la forme et la taille d’un violoncelle au corps plein. Insatisfait par la taille de l’instrument, il en fabrique une deuxième inspirée des guitares électriques, frettée et conçue pour être utilisée à l’horizontale. En 1935, Audiovox, le catalogue commercial de la société de Tutmarc propose le « Model #736 Electric Bass Fiddle », à quatre cordes, le corps plein et un manche fretté d’une longueur de 77,5 cm. De par son design proche de celui d’une guitare, l’instrument est plus simple à tenir et l’apposition de frettes sur le manche rend la basse plus accessible, en facilitant la justesse de jeu. Cet instrument, joué par sa femme Lorraine Tutmarc, est vendu dans la région du nord-ouest des États-Unis, mais son modèle ne suscite pas d’engouement particulier et tombe dans l’oubli. D’autres musiciens américains expérimentent de leur côté en construisant leur propre basse électrique à la fin des années 1930, comme les deux « all-electric bands » (orchestres entièrement électriques) à New-York de Tom Cracraft et Buddy Wagner.

Dans les années 1940, on compte quelques exemples de musiciens (comme Howard Rumsey) utilisant les premières basses (ou contrebasses) électriques, telles que la Electric Bass viol d’Electro String Company. Ces instruments sont joués avec les premiers amplificateurs créés pour les sonoriser. Rumsey en utilise un en studio avec Stan Kentonau début des années 1940. Néanmoins, la Seconde Guerre mondiale interrompt ces expérimentations, le gouvernement américain interdisant aux luthiers d’intégrer plus de 10% de « matériaux critiques » comme le fer, le cuivre, l’aluminium ou le nickel. En conséquence, les instruments qui sont fabriqués dans les années 1940 doivent utiliser le moins de métaux possibles ; de plus, beaucoup d’entreprises musicales changent leur production pour répondre à la demande industrielle militaire.

À la même époque, les fabricants de guitares Gibson et Rickenbacker s’intéressent au développement d’une contrebasse électrique, sans que l’idée aboutisse.

En 1951, Leo Fender sort la première basse électrique commercialisée, la Precision Bass. Le terme « précision » insiste sur la présence de frettes, facilitant la justesse des notes par rapport à la contrebasse. La Precision Bass devient petit à petit un modèle de référence dans la musique populaire, très utilisé en musique soul.

Rôle en musique

La basse, par son accompagnement dans les fréquences graves, est considérée comme le « pilier » de la section rythmique d’un groupe en complément de la batterie. L’oreille humaine perçoit en effet mieux les pulsations rythmiques dans les basses fréquences. La basse joue un rôle à la fois rythmique (création d’un groove) et harmonique, en soutenant les autres instruments qui jouent des accords ou des mélodies.

évolutions et modifications

En 1960 sort le nouveau modèle de Fender, la Jazz Bass, qui a deux micros « simple bobinage », un manche plus fin que la Precision, et une forme différente. Sa particularité concerne le fait d’avoir deux micros, l’un près du chevalet qui donne un son médium très précis et assez dur avec beaucoup d’attaque et l’autre près du départ du manche et qui donne un son très grave et moins précis. À l’instar de la Stratocaster, cette basse offre une palette de son plus large, notamment en sélectionnant les deux micros ensemble ou l’un séparément. Elle est largement utilisée par les bassistes de jazz-rock ou de funk-jazz, tels que Tina Weymouth, Marcus Miller ou Jaco Pastorius.

Afin de varier la gamme sonore sans avoir besoin de changer d’instrument durant les morceaux, la Precision est ensuite dotée d’un second micro placé près du chevalet (usuellement un micro simple bobinage de type Jazz Bass ou un pavé «humbucker » double bobinage ou un second micro « split-coil » Precision Bass), parfois même d’un manche Jazz Bass au profil aminci. Cette option est proposée à partir du milieu des années 1960 et demeure très populaire au début des années 1980.

Les fabricants de basses renommés

Fender, Yamaha, Ibanez, Music Man, Rickenbacker, Bc Rich, Cort et Squier

L’article La guitare basse histoire et rôle en musique est apparu en premier sur Editions coup de pouce.

Parmi les principales sources d’inspiration du jazz, nous retrouvons le blues, le ragtime et les brass bands de La Nouvelle-Orléans. Dans cet article, nous explorons les origines de ces trois styles musicaux qui ont façonné l’identité du jazz tel que nous le connaissons aujourd’hui.

Les racines du Jazz :

Le jazz est un genre musical emblématique qui a vu le jour aux États-Unis au début du XXe siècle. Mêlant des influences africaines, européennes et américaines, cette musique s’est développée au sein de différentes communautés afro-américaines.

Le blues

Le blues est un style musical né à la fin du XIXe siècle dans le sud des États-Unis, en particulier dans la région du delta du Mississippi. Il puise ses racines dans les chants de travail, les spirituals et les field hollers des esclaves africains. Le blues se caractérise par une structure simple, avec une mélodie improvisée sur trois accords de base, appelés « progression blues ».

La majorité des chanteurs de blues étaient originaires des classes sociales défavorisées, et leur musique reflétait leur quotidien difficile, marqué par la solitude, la pauvreté et le désespoir. Pourtant, le blues est aussi une musique empreinte d’espoir et de résilience, qui offrait un moyen d’expression intime et émotionnelle aux Afro-Américains marginalisés.

Parmi les pionniers du blues, nous pouvons citer des légendes telles que Robert Johnson, Bessie Smith, Ma Rainey ou encore Blind Lemon Jefferson. Les premiers enregistrements commerciaux de blues datent du début des années 1920 et ont donné naissance à diverses formes du genre : le country blues, le city bluesou le jump blues.

Le ragtime

Le ragtime est un autre style musical qui a grandement influencé le jazz. Apparu dans les années 1890 dans le Midwest américain, il est principalement associé au pianiste et compositeur Scott Joplin, dont les œuvres comme « The Entertainer » et « Maple Leaf Rag » sont devenues des classiques.

Le nom « ragtime » provient du terme anglophone « ragged time », faisant référence à la syncopationcaractéristique de ce genre musical. La syncopation consiste à accentuer les temps faibles de la mesure plutôt que les temps forts, créant ainsi un effet rythmique distinctif et entraînant. Le ragtime s’est développé à partir du cakewalk, une danse populaire afro-américaine, et des coon songs, des chansons de vaudeville humoristiques.

Bien que le ragtime ait connu un essor fulgurant dans les années 1900 à 1917, sa popularité a rapidement décliné avec l’arrivée du jazz. Néanmoins, certains éléments du ragtime ont été intégrés au jazz naissant, en particulier la technique pianistique appelée stride piano, pratiquée par des musiciens tels que James P. Johnson et Fats Waller.

Les brass bands

Au cours du XIXe siècle, avec l’afflux d’instruments à vent en métal produits en Europe, les brass bands(ensembles de cuivres) sont devenus extrêmement populaires aux États-Unis. À La Nouvelle-Orléans, une ville portuaire cosmopolite ayant une forte présence afro-américaine, ces groupes ont adopté un répertoire varié, incorporant des influences européennes (marches militaires, quadrilles), africaines (rhythmes syncopés, polyrythmie) et antillaises (clave).

Les brass bands de La Nouvelle-Orléans étaient très demandés pour animer des jazz funerals(enterrements de jazz), des processions carnavalesques, des bals, ainsi que des pique-niques communautaires. Les fanfares se produisaient également sur les bateaux à vapeur qui naviguaient sur le Mississippi, contribuant ainsi à diffuser leur musique le long du fleuve.

Un élément clé dans la naissance des brass bands de La Nouvelle-Orléans est l’implication des Créoles de couleur, une classe sociale issue du métissage entre colons français ou espagnols et esclaves africains. Ces personnes, souvent éduquées et rompues à la pratique musicale, ont apporté un certain degré de formalité et de sophistication aux ensembles de cuivres locaux.

En tant que musiciens professionnels, les Créoles de couleur ont été très influents dans la formation de la première génération de jazzmen, dont Buddy Bolden et King Oliver. Les écoles créoles telles que le Conservatoire Tio ont également joué un rôle crucial dans la transmission des savoirs musicaux aux jeunes Afro-Américains, tels qu’Sidney Bechet ou Jelly Roll Morton. Les origines du jazz sont profondément ancrées dans l’histoire culturelle afro-américaine et résultent d’un mélange unique d’influences et de traditions musicales. Le blues, le ragtime et les brass bands de La Nouvelle-Orléans ont chacun apporté leur pierre à l’édifice, forgeant ainsi un nouveau genre musical riche en couleurs et en émotions : le jazz. Aujourd’hui encore, ces styles musicaux continuent d’inspirer les artistes du monde entier et de contribuer au formidable héritage laissé par les pionniers de cette musique inoubliable.

L’article Histoire du jazz est apparu en premier sur Editions coup de pouce.

Les prémices du piano

L’histoire du piano commence au début du 18e siècle en Italie. Bartolomeo Cristofori, facteur d’instruments à clavier pour le Prince Ferdinand de Médicis, est crédité de l’invention du premier piano vers 1700.
Conçu comme un clavicorde amélioré, capable de produire des sons à la fois doux (piano) et forts (forte), le piano était une révolution. L’innovation de Cristofori a permis une expression dynamique inégalée, marquant une avancée significative par rapport au clavecin, qui ne pouvait produire qu’un seul volume sonore.
L’histoire du piano est jalonnée d’anecdotes fascinantes qui illustrent son évolution et son impact culturel.
Laissez-moi vous en conter quelques unes.

L’invention par accident

Reconnu comme l’inventeur du piano, Bartolomeo Cristofori travaillait à l’amélioration du clavecin pour permettre une variation de l’intensité sonore.
C’est en cherchant à surmonter les limitations dynamiques du clavecin et du clavicorde qu’il a créé le premier piano vers 1700.
Sa motivation n’était pas de créer un nouvel instrument de toutes pièces, mais plutôt d’améliorer ce qui existait déjà, menant ainsi « par accident » à la naissance du piano.

Le premier nom donné par Cristofori à son invention était « gravicembalo col piano e forte », littéralement « clavecin avec doux et fort », indiquant sa capacité unique à jouer des notes à des volumes variés.
Ce nom a été progressivement raccourci en « fortepiano », puis simplement en « piano », terme que nous utilisons aujourd’hui.

Le premier piano

Un début peu enthousiaste. Malgré son innovation, le piano de Cristofori n’a pas été immédiatement populaire.
Il a fallu des décennies avant que l’instrument gagne en popularité, en partie à cause de son coût élevé et du nombre limité d’instruments produits.
Ce n’est que dans la seconde moitié du 18e siècle que le piano a commencé à remplacer le clavecin dans les foyers et les salles de concert.

L’invention de Cristofori a bénéficié du soutien du Prince Ferdinand de Médicis, son mécène.
Intéressé par les innovations technologiques, le prince a fourni à Cristofori les ressources nécessaires pour développer son invention.
Sans le soutien financier et l’encouragement du prince, le développement initial du piano aurait pu prendre une direction très différente.

Les pianos de Cristofori étaient des œuvres d’art!

L’article Histoire et origines du piano est apparu en premier sur Editions coup de pouce.

Le tout début

Le terme « disk jockey » a été inventé par Walter Winchell en 1935 pour décrire l’animateur radio Martin Block. Ce n’est qu’en 1943 que la première soirée dansante avec DJ fut organisée à Otley, en Angleterre, par celui-là même qui devint le premier DJ à utiliser deux platines. La même année, la discothèque Whiskey a Go-Go ouvrit ses portes à Paris, devenant la première discothèque commerciale. Il y avait eu d’autres boîtes de nuit avant elle – comment le monde aurait-il pu survivre autrement ! – mais celle-ci fut la première à diffuser de la musique enregistrée plutôt qu’un groupe live.

Les années 50

Au début des années 50, les DJ se sont multipliés, se produisant souvent lors de soirées sock hop et se produisant en live. Ils n’avaient souvent qu’une seule platine et discutaient entre eux ou engageaient un batteur pour jouer entre les morceaux – du jamais vu aujourd’hui ! Imaginez le tollé si la musique s’arrêtait ! Au fil des années 50, le DJing s’est développé : Bob Casey a introduit le système à deux platines en 1955 et des sound systems ont été développés à Kingston, en Jamaïque. Ce fut un tournant dans l’histoire du DJing et le début de la forme de divertissement moderne que nous connaissons, aimons et portons encore aujourd’hui !

Les années 60 et 70

Au fil du temps, les boîtes de nuit et les discothèques ont gagné en popularité en Europe et aux États-Unis. Du matériel DJ spécialisé a fait son apparition sur le marché et de nouvelles techniques, comme le beatmatching et le slip-cuing, ont été inventées, dont beaucoup sont encore utilisées aujourd’hui. En 1973, le « père de la culture hip-hop », DJ Kool Herc, s’est produit lors de fêtes de quartier dans son quartier, déclenchant leur popularité et introduisant également la technique du turntablism, qui permet aux DJ de créer des musiques originales.

Au milieu des années 70, le hip-hop a pris le dessus, né à New York auprès des Afro-Américains et des Latinos urbains, avant de se répandre dans le reste du monde. Les années 70 ont marqué une étape importante dans l’histoire du DJing, avec l’apparition des pools de disques, permettant aux DJ d’accéder plus facilement à la musique récente. Après la sortie du tube « Rappers Delight » en 1979 du Sugar Hill Gang, il était clair que le hip-hop allait conquérir l’industrie musicale, ce qui a conduit Tom L. Lewis à introduire les Disco Beats : une liste de chansons disco classées par tempo (battements par minute). Les Disco Beats ont constitué une avancée majeure pour les nouveaux DJ, leur permettant d’apprendre à créer des transitions fluides entre les morceaux sans avoir à modifier leur rythme.

Les années 80

En 1981, MTV a été lancée, une chaîne de télévision dédiée à la diffusion de clips vidéo. Le terme « vidéo-jockey » (VJ) a été donné aux jeunes présentateurs qui présentaient les clips, mais la disparition du disco en 1982 a perturbé les DJ, car les boîtes de nuit et les discothèques ont commencé à fermer, les obligeant à se tourner vers d’autres styles de divertissement. Cependant, c’était la même année que le « Big Bang » de la révolution audio, avec l’arrivée du Compact Disc sur le marché asiatique. Au début des années 80 également, DJ Larry Levan est devenu un prototype du club de danse moderne en gagnant des adeptes au Paradise Garage, où il mettait en avant à la fois le DJ et sa musique. C’est à peu près à la même époque que la house music a émergé à Chicago, avec la sortie du tout premier morceau de house par Jesse Saunders en 1983 !

En réalité, les années 80 ont marqué une nouvelle ère pour la musique disco, car sa disparition en 1982 a contraint les DJ à créer des musiques hybrides alliant nouveaux sons et éléments disco originaux. La musique garage a fait son apparition à New York au milieu des années 80, et la techno est née dans les clubs de Detroit. En 1985, la Winter Music Conference a ouvert la voie aux conférences de DJ. La même année, le premier magazine musical publié par des DJ est apparu : le TRAX Dance Music Guide. Peu après, le magazine DJ Times a publié sa première édition en 1988.

De retour à Londres, la house était en plein essor grâce aux DJ londoniens Paul Oakenfold, Danny Rampling, Johnny Walker et Nicky Holloway, tous venus animer des soirées après un été à Ibiza en 1987.
Si la house était jouée dans les villes du nord de l’Angleterre, c’est dans la capitale qu’elle a véritablement pris son essor à la fin des années 80.
Certains de ces grands classiques de la house influencent encore nos sets de DJ pour les mariages londoniens.

Les années 90

Comme beaucoup s’en souviennent probablement, le début des années 90 a marqué la naissance de la scène rave ! Cette scène a marqué une nouvelle avancée majeure pour le DJing, permettant aux DJ « superstars » de se faire un nom et de développer des marques pour leurs sons. En 1993, Carl Malamud a créé la première station de radio en ligne, permettant ainsi aux DJ de tous niveaux de travailler depuis leur ordinateur personnel. Cette évolution a été amplifiée par la sortie du premier lecteur MP3 en 1998, créant ainsi le tout premier système DJ numérique. Un an plus tard, l’Agence canadienne des licences audiovisuelles a annoncé une licence DJ MP3, transformant radicalement le mode de fonctionnement des DJ : au lieu de trimballer leurs collections de CD en concert, ils pouvaient désormais les stocker et les utiliser depuis un seul disque dur !

Les années 2000 – Aujourd’hui

Depuis le début des années 2000, les avancées technologiques se sont succédé, entraînant de nombreux développements dans l’industrie du DJing. Les consoles de mixage numériques de pointe ont donné naissance à une culture d’intégration DJ entièrement nouvelle, les logiciels en ligne ont permis la création de DJ virtuels et l’introduction des DJ battles a donné à l’industrie ses droits concurrentiels. Être DJ ne se résume plus à jouer des morceaux comme autrefois : il s’agit désormais de manipuler le son pour produire une musique incroyable et de créer une atmosphère qui l’accompagne grâce à la lumière et aux effets. L’histoire du DJing et les avancées constantes de ces 80 dernières années nous ont permis de développer Discologic : le DJ de mariage leader dans plusieurs régions d’Angleterre, dont le Kent et Londres !

L’article L’histoire du DJing est apparu en premier sur Editions coup de pouce.

Des racines portugaises à une reconnaissance mondiale

L’histoire commence en 1879, lorsqu’un navire portugais en provenance des îles de Madère accoste à Hawaï, transportant des travailleurs agricoles venus cultiver la canne à sucre et l’ananas. Parmi eux, João Fernandes ne se sépare jamais de sa petite guitare portugaise à quatre cordes appelée machete , également connu sous le nom de braguinha .

Les sonorités vives et inédites de l’instrument captivent rapidement les Polynésiens, jusqu’à séduire le roi David Kalakaua, dernier souverain du royaume d’Hawaï. Musicien lui-même, il adopte l’ukulélé et contribue à l’intégrer à la musique traditionnelle de l’archipel. Le ukulélé se voit alors honoré d’une couronne gravée à l’extrémité de son manche, symbole de sa reconnaissance royale.

Commence dès lors une véritable épopée musicale : celle d’un petit instrument appelé à porter, bien au-delà des rivages hawaïens, un esprit de fête et de légèreté qui conquérira le monde.

L’ukulélé « puce sauteuse » en hawaïen

Petit et relativement facile à prendre en main, le ukulélé séduit particulièrement les musiciens débutants. On le tient contre la poitrine, on pince les cordes le long du manche et on les gratte avec la pulpe du pouce ou le dos des doigts. Surnommé « uke », il dégage une sonorité unique qui se marie harmonieusement avec d’autres instruments à cordes, ce qui explique sa présence dans des genres variés, du jazz et de la country à la pop, au rock, et dans les musiques du monde entier.

Le ukulélé, proche d’une guitare par sa forme, appartient à la famille des luths. Certains modèles n’ont pas la taille typique d’une guitare et adoptent des formes originales, comme l’ananas ou le fond d’une pagaie, avec un dos arrondi. On trouve aussi des ukulélés construits à partir de boîtes à cigares servant de caisse de résonance.

Les ukulélés sont généralement en bois, du laminé économique au bois massif comme le koa, l’acajou ou le palissandre, ce dernier offrant une sonorité plus riche qui s’affine avec le temps. Les modèles abordables peuvent être en plastique, plus robustes mais moins chaleureux.

La plupart ont quatre cordes et se jouent acoustiquement, mais certains sont équipés de micros pour les concerts. On trouve aussi des ukulélés à six ou huit cordes, des « banjolélés » à forme de banjo, ou des modèles entièrement métalliques à résonateur, tous considérés comme des instruments hybrides.

Des studios hollywoodiens à la Lune

Après avoir séduit les Hawaïens, le ukulélé traverse le Pacifique pour gagner le continent américain. Il s’installe dans les studios d’Hollywood et devient l’instrument de prédilection de stars comme Laurel et Hardy, Marilyn Monroe ou Elvis Presley et de nombreux musiciens rock et pop, tels que George Harrison et Taylor Swift , qui ont tous joué du ukulélé dans leurs enregistrements. Son influence dépasse même les frontières terrestres : on raconte que l’astronaute Neil Armstrong en a joué après avoir posé le pied sur la Lune !

L’évolution tahitienne : le « banjo »

À l’époque, les Tahitiens ignoraient la lutherie : ils sculptaient leur instrument dans un seul bloc de bois, y posaient une membrane en peau de requin pour le faire résonner et utilisaient des cordes en fil de pêche pour produire le son. Aujourd’hui encore, ce sont des menuisiers qui poursuivent cette tradition dans leurs ateliers, un savoir-faire transmis de génération en génération.

À l’extrémité du triangle polynésien : les îles Cook

Aux îles Cook, le ukulélé n’est pas seulement un instrument de musique : il sert aussi à vivre et à transmettre la culture locale aux visiteurs. Abraham Tauta, véritable prodige, a développé une technique de jeu plus rapide et plus énergique, inspirée des rythmes des tambours traditionnels qui résonnent partout sur l’île.

Symbole de partage et de joie

Quelle que soit sa forme, ukulélé hawaïen, banjo tahitien ou ukarere des îles Cook  l’essentiel réside dans la joie qu’il transmet. Chaque île du Pacifique a fait sienne cette petite guitare, lui insufflant sa propre identité culturelle. De l’île de Pâques aux îles Cook, le ukulélé est devenu un symbole d’hospitalité et incarne l’esprit des îles. Partout en Polynésie, ses notes pétillantes résonnent, tissant des liens entre générations et cultures, et perpétuant une tradition musicale vivante, fidèle à l’âme polynésienne tout en continuant d’évoluer.

En conclusion

Du rivage d’Hawaï aux scènes du monde entier, de Tahiti aux îles Cook, le ukulélé reste bien plus qu’un petit instrument : symbole de joie, de créativité et de partage, il continue de faire vibrer les cœurs, partout où sa musique résonne.

L’article À la décourte du Ukulélé est apparu en premier sur Editions coup de pouce.

Le tongue drum est né de l’imagination de Dennis Havlena, qui, en 2007, a eu l’idée géniale de transformer une bonbonne de propane en acier en un instrument de musique. Le résultat ? Un instrument au son envoûtant, apaisant, capable de calmer les esprits les plus agités.

Le tongue drum est aussi appelé tank drum ou hank drum. Sa forme rappelle celle d’une soucoupe volante, ce qui lui donne un aspect à la fois moderne et ancien. Pour jouer de cet instrument, rien de plus simple : il suffit de frapper doucement avec les doigts ou avec des mailloches les « langues » d’acier découpées sur la surface de l’instrument. Chaque langue produit une note différente, et l’ensemble donne une mélodie douce et envoûtante.

Mais ce n’est pas tout. Le tongue drum a un pouvoir mystique, une capacité à nous transporter dans un état de méditation profonde. Pourquoi ? Eh bien, nous allons le découvrir ensemble ! Il est temps de remonter le fil du temps et de partir à la découverte des origines du tongue drum.

Les origines mystiques du tongue drum

Bien qu’il soit difficile de déterminer les origines exactes du tongue drum, les experts de cet instrument s’accordent à dire qu’il est inspiré des tambours d’acier caribéens et sud-américains, ainsi que des instruments à percussion africains et dominicains.

Pour comprendre les racines profondes du tongue drum, il faut remonter à des temps immémoriaux, où musique et spiritualité étaient inextricablement liées. L’ancêtre du tongue drum se trouve en effet dans les cultures ancestrales d’Afrique, d’Amérique du Sud et d’Asie, où le rythme et la vibration étaient utilisés pour la guérison, la célébration et le voyage spirituel.

L’Aztec Teponaztli, le Balafon africain ou encore le Mridangam indien, tous ces instruments à percussion partageaient une caractéristique commune : ils étaient taillés ou creusés de manière à produire des notes différentes lorsqu’ils étaient frappés. Ils ont servi de base pour la création du tongue drum moderne.

Mais la magie du tongue drum ne réside pas seulement dans ses origines ancestrales. C’est aussi un triomphe de l’ingéniosité humaine et de la transformation créative.

Le tongue drum dans le monde :

Comme beaucoup d’instruments de musique, le tongue drum a évolué et s’est adapté à différentes cultures et pratiques à travers le monde. Cette richesse et cette diversité ajoutent à son charme et à sa polyvalence, rendant chaque drum unique à sa manière.

Des variations selon les cultures

A l’échelle mondiale, le tongue drum a pris différentes formes et a été adopté par diverses cultures, chacune apportant sa propre interprétation et son propre style de jeu. Par exemple, dans certaines parties d’Afrique, les drums peuvent être utilisés dans des cérémonies traditionnelles et des festivals, souvent accompagnés de danses et de chants.

En Europe et en Amérique, le tongue drum a trouvé une place au sein de la communauté des musiciens de rue, des pratiquants de yoga et des thérapeutes sonores. Il a même été adopté par certains musiciens professionnels pour ajouter une touche unique et mélodique à leur musique.

De même, en Asie, le tongue drum est parfois utilisé dans les temples et les centres de méditation pour aider à induire un état de relaxation profonde et favoriser la pleine conscience.

Des évolutions fascinantes

Au fil du temps, le tongue drum a également évolué techniquement. Les premiers modèles, fabriqués à partir de bouteilles de gaz en acier recyclées, ont été progressivement remplacés par des instruments fabriqués à partir de matériaux spécialement choisis pour leurs propriétés acoustiques.

L’article À la découverte du tongue drum est apparu en premier sur Editions coup de pouce.

Les racines Africaines :

L’histoire du bottleneck débute bien avant l’apparition des premières Cigar Box Guitars. Ses origines plongent en Afrique, où des instruments à cordes tels que la kora ou le n’goni étaient déjà joués à l’aide de procédés proches. En traversant l’Atlantique avec les esclaves africains, ces pratiques musicales ont posé les fondations de ce qui donnera naissance, plus tard, au blues.

L’adaptation en Amérique :

Sur le sol américain, les esclaves africains et leurs descendants ont commencé à concevoir des instruments à partir de matériaux de récupération, notamment des boîtes à cigares, donnant ainsi naissance aux premières Cigar Box Guitars. Pour faire vibrer les cordes, ils utilisaient des objets du quotidien — os, lames de couteau, puis plus tard tubes de verre ou de métal — qu’ils faisaient glisser le long du manche. C’est ainsi qu’est née la technique du bottleneck, capable de produire un son profond, chargé d’émotion et de mélancolie, devenu emblématique du blues.

Le blues du Delta et ses pionniers :

Le Delta du Mississippi est largement reconnu comme le berceau du blues, et c’est dans cette région que la technique du bottleneck a trouvé toute sa puissance expressive. Des figures mythiques telles que Robert Johnson ou Son House s’en sont emparées pour transmettre des émotions à vif et raconter des histoires de vie, d’amour et de perte. Interprétée sur des Cigar Box Guitars, leur musique, portée par le bottleneck, a su saisir toute la profondeur et l’âme du Sud des États-Unis.

Du blues au rock :

Le parcours du bottleneck, depuis ses origines profondément enracinées dans le blues jusqu’à son adoption par le rock, raconte une évolution marquée par la transformation et l’adaptation. Issue d’une expression brute et chargée d’émotion, cette technique a su s’imposer dans l’univers bouillonnant et novateur du rock ’n’ roll, où elle a trouvé un nouveau souffle et une énergie renouvelée.

L’adoption par les pionniers du rock :

Dans les années 1950 et 1960, alors que le rock ’n’ roll conquiert l’Amérique puis le reste du monde, des figures emblématiques comme Elvis Presley et Chuck Berry occupent le devant de la scène. Parallèlement, un courant plus discret mais tout aussi déterminant émerge : des guitaristes de rock, nourris par l’expressivité du blues, commencent à explorer la technique du bottleneck. En l’intégrant à leur jeu, ils apportent une nouvelle palette sonore à leur musique, enrichissant le rock de textures profondes, vibrantes et chargées d’émotion.

L’influence sur le son et le style du rock :

Le bottleneck a ouvert de nouvelles perspectives sonores au rock, offrant aux guitaristes la possibilité d’explorer des textures plus fluides et intensément expressives. Grâce à cette technique, des effets de glissando et de vibrato inédits ont vu le jour, impossibles à reproduire avec le jeu de guitare traditionnel. Son timbre reconnaissable, fait de notes tenues et de transitions souples, a insufflé au rock une profondeur supplémentaire, mêlant sophistication et charge émotionnelle.

L’évolution des matériaux et des techniques :

Avec l’essor du rock, les matériaux et les approches liés au bottleneck ont eux aussi connu une véritable évolution. Les guitaristes ont exploré une variété de slides — en verre, en métal ou en céramique — chacun apportant une couleur sonore distincte. Parallèlement, les techniques de jeu se sont affinées, permettant l’utilisation du bottleneck non plus seulement comme un effet, mais comme un véritable outil d’expression, capable de produire des mélodies élaborées et des sonorités novatrices.

En définitive, le bottleneck est bien plus qu’une simple technique de jeu : il est une porte ouverte sur l’histoire, une voix pour l’âme et un élément essentiel de l’identité de la Cigar Box Guitar. De ses origines modestes en Afrique à son influence sur les musiques contemporaines, il a traversé les époques et les continents, séduisant aussi bien les musiciens que les auditeurs aux quatre coins du monde.

L’article Histoire et origines du bottleneck est apparu en premier sur Editions coup de pouce.

L’origine de la kalimba

Les origines de la kalimba se trouvent en Afrique où cet instrument aurait été inventé deux fois : il y a environ 3000 ans sur la côte Ouest vers le Cameroun, comme instrument complètement en bois avec des lamelles en bambou, rotin ou palmier, et il y a environ 1300 ans au Zambèze où on en retrouve des traces avec des lamelles en métal. 

Kalimba est le nom donné par l’ethnomusicologue Hugh Tracey dans les années 1950 lorsqu’il a commencé à introduire en Occident cet instrument de musique d’origine africaine, appelé mbira par le groupe ethnique Shonas du Zimbabwe. La mbira est un instrument emblématique de la culture Shonas.
Cet instrument porte plusieurs noms selon l’aire géographique où il est utilisé : likembe, sanza ou senza au Cameroun et Congo, mbira au Zimbabwe et Malawi, lukeme, karimba en Ouganda…

L’histoire de la kalimba

Son histoire est intimement liée à celle des peuples d’Afrique, où il joue un rôle central dans les cérémonies, les rituels et la vie quotidienne depuis des siècles. Le timbre doux de ses lames métalliques a bercé des générations, transmettant des contes, des histoires et des leçons de vie. Malgré sa simplicité apparente, la kalimba est capable d’une grande expressivité, reflétant les richesses des cultures africaines.

Avec l’avènement de la mondialisation, la kalimba a franchi les frontières de son berceau africain pour séduire des musiciens et des amateurs de musique du monde entier. Sa sonorité unique a inspiré des artistes de tous genres, le faisant résonner bien au-delà des cercles traditionnels.

Finalement, peu de traces ont été découvertes concernant ces Pianos à Pouces avec des touches en bambou. Toujours selon les découvertes archéologiques actuelles, la Kalimba aurait par la suite totalement disparu, mais aurait refait surface un millénaire plus tard à l’autre bout du continent sous une nouvelle forme.

Signification culturelle

Dans les sociétés africaines traditionnelles, la kalimba était bien plus qu’un instrument de musique. Il servait de moyen de communication avec les ancêtres, jouant un rôle crucial dans les rituels et les cérémonies, tels que les mariages, les funérailles et les rites d’initiation. La musique de la kalimba accompagnait les contes et les histoires, transmettant le savoir et les traditions de manière mélodique et captivante.

La Kalimba est un instrument de percussion faisant partie des lamellophones

La kalimba est un instrument de la famille des idiophones qui se caractérisent par une structure simple et qui produisent les sons grâce aux vibrations de la matière-même qui constitue leur corps. C’est un instrument de percussion.
C’est plus précisément un lamellophone dont le corps est constitué d’une caisse de résonance en bois ou d’une planche en bois sur laquelle sont fixées des lamelles métalliques de différentes tailles et formes serrées entre deux ou trois barres transversales. Chaque lamelle produit une note.

On peut trouver de 5 à 6 lamelles pour les kalimbas les plus simples jusqu’à plus de 20 lamelles pour les plus élaborées.
La kalimba est facilement transportable. On en joue en la prenant dans ses deux mains et en faisant vibrer les lamelles avec les pouces.
En Afrique, la mbira est un instrument utilisé par les griots, les conteurs, pour accompagner  des chants et des récits. Il sert aussi aux médiums pour entrer dans des transes mystiques et communiquer avec les ancêtres disparus. On en joue lors de rassemblements publics tels que cérémonies, rituels, mariages ou dans un cadre familial intime lorsque des histoires sont transmises.

Évolution

Avec le temps, la kalimba a évolué, tant dans sa construction que dans ses usages. Les matériaux utilisés pour sa fabrication, initialement constitués de bois et de bambou, se sont diversifiés pour inclure des lamelles métalliques, offrant une plus grande variété de sons et une meilleure résonance. Cette évolution a contribué à enrichir le répertoire musical de la kalimba et à étendre son influence.

La plus grosse évolution du modèle proposé par l’ethnomusicologue est que l’Instrument s’avère être maintenant accordé selon la gamme diatonique. C’est-à-dire que les notes de musiques jouables par le Kalimba sont désormais celles utilisées par la musique occidentale, à savoir Do, Ré, Mi, Fa, Sol, La et Si. Exactement comme dans une guitare électrique, un ukulélé, d’autres instruments à cordes ou encore ceux à clavier tel le piano. Avant cela, les Pianos à Pouces n’étaient pas vraiment harmonisés entre eux et les lamelles étaient accordées à des sonorités un peu aléatoires. Le Musicien arrangeant alors le Piano à Doigts comme il l’entendait. Le Kalimba d’Hugh Tracey dispose dorénavant de 15 lames et se trouve être accordé en Sol majeur, ce qui lui permet d’interpréter des partitions très mélodiques.

Son développement

Les mouvements migratoires et les échanges commerciaux ont facilités sont expansion.
Chaque région d’Afrique a développé sa propre version de la kalimba, adaptée à ses traditions musicales et culturelles. Ainsi, l’instrument se décline sous de nombreux noms et formes, reflétant la richesse et la diversité du continent africain.

Grâce à sa prise en main aisée, comparable à celle d’un instrument à touches ou d’un petit clavier, la kalimba s’est facilement répandue à travers l’Afrique. Son caractère intuitif en fait un instrument accessible même aux néophytes du monde des percussions.

Dans les pays anglophones, on la surnomme souvent thumb piano, littéralement « piano à pouces ». À l’instar du piano, il est possible d’en jouer en gamme majeure ou mineure, selon l’accord choisi. Ce simple ajustement permet de moduler les ambiances musicales, passant de sonorités joyeuses à des tonalités plus douces et mélancoliques.

L’influence de la kalimba ne se limite pas à l’Afrique : elle a su séduire des artistes et enrichir des genres musicaux du monde entier. Sa sonorité unique a trouvé sa place dans le jazz, la musique classique, le folk, et même l’électronique, où des musiciens venus de divers horizons explorent ses possibilités harmoniques et rythmiques.
Cette rencontre des styles a non seulement contribué à l’enrichissement de la scène musicale internationale, mais elle a également permis de valoriser les instruments traditionnels dans un contexte contemporain. Bien que la kalimba ne soit, à la base, qu’un simple jeu de lames que l’on fait vibrer avec les pouces, son rendu sonore peut paraître étonnamment inédit lorsqu’il s’intègre dans des environnements musicaux auxquels on n’est pas habitué.
De nombreux artistes et groupes ont popularisé son utilisation : on peut citer Tracy Chapman, Peter Gabriel, les Beach Boys ou encore Cat Stevens. L’instrument apparaît même dans certaines compositions des Red Hot Chili Peppers, démontrant son incroyable capacité à traverser les genres et les époques.

L’article Histoire et origines de la Kalimba est apparu en premier sur Editions coup de pouce.

Car le saxo, comme le surnomment affectueusement les musiciens, n’est pas né avec le jazz. Il est apparu au XIXe siècle et son créateur Adolphe Sax voulait d’ailleurs en faire un grand instrument de l’orchestre.

De l’ambition de son inventeur à sa réappropriation par les jazzmen, les Pink Floyd ou les Beatles, voici la petite histoire du saxophone, un instrument à mille facettes !

Le saxo, c’est du vent !

Ce n’est pas parce que le saxophone est fabriqué en laiton (mélange de cuivre et de zinc) ou en argent qu’il appartient à la famille des cuivres ! Le saxophone se classe parmi les instruments à vent de la famille des bois, et ce, parce que son bec possède une anche, soit une petite lamelle qui, sous l’effet de l’air expiré par le musicien, vibre et produit ainsi du son.

Le père des Sax

Louis de Béchameil trouva la recette d’une fameuse sauce, la famille Jacuzzi mit au point un bain chauffant thérapeutique, Eugène Poubelle fabrica l’objet du même nom… Adolphe Sax, lui, créa le saxophone. Né d’un père facteur d’instruments, Adolphe Sax ne se lasse pas de chercher, d’expérimenter, de perfectionner les instruments de l’entreprise familiale… C’est ainsi qu’au début des années 1840, il donne naissance à un nouvel instrument : le saxophon (qui n’a pas encore reçu son e).

Au coeur de la révolution industrielle

En 1841, Monsieur Sax présente son saxophon au jury de l’Exposition de l’industrie belge. Une exposition industrielle et non un concert ou salon musical, car son invention s’inscrit bien dans la lignée des grandes innovations de son siècle.

Au XIXe, la facture d’instrument européenne vit une véritable mutation. Les fabricants s’inspirent des innovations mécaniques (la machine à vapeur, par exemple), se mettent à utiliser des matériaux différents (du métal pour les flûtes, entre autres), ce qui donne parfois naissance à de tous nouveaux instruments : le cor à pistons, le tuba et… le saxophone !

Dans le rapport de l’Exposition de l’industrie belge (1841), on peut ainsi lire : « Le premier facteur belge qui fit des efforts efficaces pour parvenir à cette émancipation industrielle fut M. Sax ». Adolphe Sax, fierté industrielle nationale. Sauf que l’inventeur va plier bagages pour Paris…

Monsieur Sax à Paris

Car c’est à Paris que se trouve le fleuron de la facture instrumentale du XIXe siècle. Le compositeur et critique musical Hector Berlioz surveille d’ailleurs de près cette petite révolution. Dans la deuxième édition de son Traité d’instrumentation parue en 1855, il ne manque pas de passer au crible les nouveaux instruments de son époque, ceux de Monsieur Sax, notamment.

A propos du saxophone, Berlioz se montre très enthousiaste. Il n’en faut pas plus pour convaincre Adolphe Sax de s’installer à Paris. Il ouvre sa propre fabrique, rue Neuve-Saint-Georges, et affronte vaillamment la rivalité des facteurs d’instruments parisiens, déjà bien installés, et méfiants vis-à-vis de cet ambitieux ‘étranger’.

Du saxophone dans l’orchestre

« Ces nouvelles voix données à l’orchestre possèdent des qualités rares et précieuses », écrit Berlioz à propos des instruments de Monsieur Sax.

Vous avez bien lu : l’instrument d’Adolphe Sax est donné « à l’orchestre ». Car si on entend d’abord (et majoritairement) le saxophone parmi les instruments des fanfares militaires, il est aussi adopté par les ‘grands’ compositeurs.

Hector Berlioz en premier lieu, l’utilise dès 1844 dans son Chant sacré. Puis Georges bizet s’en empare pour son Arlésienne ou jules Massenet dans son opéra Werther. Un intérêt qui ne diminue pas : au XXe siècle, le saxophone inspireClaude Debussy (Rhapsodie pour orchestre et saxophone), Maurice Ravel (dans le célèbre Boléro), Sergei Prokofiev (pour son ballet Roméo et Juliette) et bien d’autres encore.

Gold Men Sax

Ceux qui vont définitivement donner toutes ses lettres de noblesse au saxophone, qui vont en faire un instrument soliste, ce sont les jazzmen.

Pourquoi cet engouement ? Il pourrait y avoir autant de réponses que de saxophonistes, mais il semble que les artistes jazz aient trouvé dans cet instrument une inépuisable ressource sonore, une expressivité proche de la voix, et un son riche de mille et une nuances. On ne compte plus les jazzmen devenus rois du saxo.

De plus, le saxophone séduit par sa ‘marginalité’. Bien qu’admis parmi les instruments de l’orchestre, il est toujours mis à l’écart des grands solos du répertoire classique. En France, il faut d’ailleurs attendre 1942 pour que s’ouvre enfin au Conservatoire National de Paris une classe dédiée au saxophone. La filière est créée par un certain Marcel Mule…

Marcel, le prince des instruments à vent

On ne peut aborder le saxophone sans citer l’un de ses plus grands maîtres : Marcel Mule. Né en 1901, mort en 2001. Son père est saxophoniste dans la fanfare du village, mais il souhaite que son fils devienne instituteur. Marcel obéit d’abord à la volonté paternelle mais, têtu comme un(e) Mule, passionné de saxo, il finit par rejoindre l’orchestre de la Garde Républicaine.

Marcel Mule devient très vite le plus important saxophoniste français du XXe siècle : il participe notamment à la création du Boléro de Ravel, en 1928, et enseigne pendant vingt-six ans dans la classe de saxophone du Conservatoire de Paris. Marcel Mule a ainsi formé toute une génération d’interprètes reconnus, assurant au saxophone un bel avenir.

Saxo Pop !

Tout au long du XXe siècle, au-delà des frontières du jazz ou du répertoire dit classique, le saxophone inspire. Tous se le réapproprient. Les compositeurs de musique contemporaine, notamment : Luciano Berio, Philip Glass, John Adams…Ils ont tous les trois exploré les différentes nuances et facettes du saxophone. Côté pop, le saxophone a conquis le cœur du grand public grâce à des solos devenus mythiques : dans Lady Madonna (1968) des Beatles, Money (1973) des Pink Floyd ou The Logical Song (1979) du groupe Supertramp.

L’article Le saxophone : une histoire à couper le souffle est apparu en premier sur Editions coup de pouce.