Héritiers de la samba brésilienne, influencés par la musique classique et le jazz, João Gilberto, Antônio Carlos Jobim et Vinícius de Moraes ont inventé dans le Rio cosmopolite des années cinquante la bossa nova, miroir de l’âme brésilienne, entre métissage, poésie et douceur de vivre dans la décennie qui précède le coup d’état militaire de 1964. La bossa nova n’est pas une musique issue des quartiers populaires et des bidonvilles. Elle est née dans les beaux quartiers de Rio, entre Copacabana et Ipanema en réaction à la musique populaire brésilienne et aux différents genres de samba de carnaval. La bossa nova est une musique épurée : guitare voix ou piano voix, exit les percussions et les grands orchestres, la mélodie se murmure tout en douceur et en retenue… Exit aux le rythme binaire répétitif de la samba et place aux rythmes syncopés variés…

La rencontre de Carlos Jobim et de Vinicius de Moraes

Tout commence en 1956 avec la rencontre de Carlos Jobim et de Vinicius de Moraes. L’un est pianiste, l’autre est poète, écrivain et diplomate. Ensemble ils vont faire des étincelles et composer les plus grands morceaux de bossa nova… A cette époque, Jobim est pianiste dans des bars et travaille comme arrangeur pour le label Continental. Marqué par la samba et le choro, mais aussi sous l’influence de Debussy et Ravel, il a déjà enregistré quelques compositions et commence à être connu pour son sens de la mélodie et ses recherches harmoniques.

Vinicius de Moraes cherche un compositeur pour mettre en musique une œuvre à laquelle il travaille depuis près de quinze ans… Une adaptation du mythe grec d’Orphée revisité à la manière brésilienne… Dans cette version, Orphée est noir et le décor n’est autre que les favelas de Rio de Janeiro. Lorsqu’il rencontre Jobim, Vinicius de Moraes comprend qu’il a enfin rencontré la bonne personne pour faire vivre l’œuvre qu’il a imaginé. La pièce sort en 1956 au théâtre municipal de Rio, c’est un triomphe, elle sera aussi adaptée au cinéma par le réalisateur français Marcel Camus, Orfeu Negro, en 1959, film qui reçoit l’Oscar du meilleur film étranger et la Palme d’Or du Festival de Cannes…

Inconnu du grand public, Jao Gilberto mène la vie de bohême, il joue de la guitare et chante depuis l’enfance, il ne sait rien faire d’autre. Il refuse de prendre un boulot alimentaire, mange et dort au gré des invitations chez des amis. Perpétuel invité, il ne manque presque jamais d’un toit, subjuguant ses hôtes par sa personnalité et sa musique.

Alors que la guitare samba joue habituellement des mélodies en contrepoints, il se concentre sur les accords. Selon la légende, il s’enferme des journées entières dans la salle de bain pour profiter de sa bonne acoustique. Il répète inlassablement de manière obsessionnelle, les mêmes accords et chante avec cette voix presque murmurée.

Lorsqu’il le rencontre en 1956, Tom Jobim tombe littéralement sous le charme, il va le faire participer à différents projets jusqu’à convaincre une maison de disque de le laisser sortir un album solo. On est en 1959, « Chega de Saudade » est considéré comme le premier disque de bossa nova, une petite révolution qui marque un changement d’ère…

A Garota de Ipanema

Le morceau qui va faire connaître la bossa nova au monde entier, c’est le fameux « A Garota de Ipanema » (the girl of Ipanema) musique de Carlos Jobim, paroles de Vinicius de Moraes, sorti en 1962.
Un morceau qui sera repris en anglais avec Stan Getz au saxophone et Jao Gilberto à la guitare sur l’album Getz/Gilberto qui sort en 1963 et rencontre un succès planétaire.

Progressivement, de jeunes musiciens s’agrègent autour du duo Tom Jobim / Vinicius de Moraes et tout ce beau monde se retrouve régulièrement dans l’appartement de la chanteuse Nara Leão surnommée la muse de la bossa nova. Chez elle, les musiciens se retrouvent pour créer des morceaux, improviser ou reprendre des standards de jazz ; et l’on ne résiste pas à vous faire écouter sa voix hors du commun en duo avec Chico Buarque l’un des plus grands chanteurs de bossa novo…

Le coup d’état militaire de 1964

Mais le coup d’état militaire de 1964 marque la fin de la douceur de vivre et de la bohême. Sous la dictature militaire, les chansons sont moins insouciantes et se font plus politiques. Les lois sur la censure ayant été renforcées par le régime militaire, Vinicius Moraes quitte ses fonctions diplomatiques à partir de 1968. Comme ses amis Tom Jobim et Jao Gilberto, ils jouent de moins en moins au Brésil à cette période, entamant une carrière à l’international… D’autres comme Chico Buarque détournent la censure pour faire passer des messages subversifs au point d’être censuré et poussé à l’exil. Dès 1964, Nara Leao prend position contre le putsch militaire avec son morceau Opiniao où elle chante : « Ils peuvent m’arrêter, ils peuvent me battre, ils peuvent même me laisser sans manger, je n’ai pas changé mon opinion ».

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« We are the world » a 40 ans : cette nuit où Lionel Richie a réuni 45 stars !

Le 7 mars 1985, chez les disquaires, une chanson attire tous les regards et tous les dollars : « We are the world », ode écrite et composée par Lionel Richie et Michael Jackson, produite par Quincy Jones. Le succès est immédiat : 20 millions d’exemplaires vendus, 80 millions de dollars récoltés pour l’Ethiopie.

Mais derrière les chiffres se cache aussi l’histoire d’un enregistrement, le 28 janvier 1985.
Une nuit. Une seule nuit pour réunir une quarantaine de stars de la pop dans un studio de Los Angeles où Quincy Jones a fait apposer une phrase : « Laissez votre ego à l’entrée ».

Mais comment faire venir autant de stars ?

La bonne idée fut de caler l’enregistrement à l’issue de la cérémonie des American Music Awards. Une partie des artistes présents file au studio. Avant d’être rejoints par Diana Ross, Stevie Wonder, Bette Midler, Ray Charles, ou encore Bruce Springsteen…

Michael Jackson est déjà là. Et Quincy Jones vient de le convaincre de poser sa voix. On découvre ainsi ses premières prises de son, sa fragilité apparente. Quelques instants plus tard, le voilà prostré quand l’artiste Bob Geldof explique en préambule à l’enregistrement, la situation en Ethiopie : la famine, l’absence totale d’eau, et les cadavres qui s’amoncellent. Un message, tel un électrochoc, pour pousser les artistes à donner le meilleur d’eux-mêmes.

La concentration fut toute relative en fonction des stars. Pour Al Jarreau, par exemple, la soirée fut très longue. Le chanteur n’avait qu’une idée en tête : faire la fête, réclamant régulièrement une bouteille d’alcool. Bouteille que s’empressait de planquer Lionel Richie !

La nuit entière a ainsi été filmée. On découvre la fatigue sur les visages. On sent les tensions, les énervements. L’émotion aussi, comme celle de Diana Ross qui ne veut pas que l’enregistrement se termine. On sourit en écoutant les blagues de Ray Charles et Stevie Wonder. On rit franchement en comprenant que ce bruit parasite qui perturbe l’enregistrement depuis un moment est dû aux kilos de bijoux portés par Cyndi Lauper.

Dans ce chœur extraordinaire, un homme reste en retrait. Presque apeuré. Bob Dylan est perdu… Et quand il s’agit d’exécuter son solo, un seul artiste peut le secourir : Stevie Wonder.

Ce dernier l’imite pour l’aider à trouver la tonalité, le rythme… La magie opère. Il est 7h du matin et l’enregistrement se termine.

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Origine et histoire de l’harmonica

L’harmonica trouve ses racines en Europe au début du XIXᵉ siècle. Inspiré par des instruments asiatiques comme le sheng chinois — un instrument à anche libre vieux de plusieurs millénaires —, l’harmonica moderne est apparu en Allemagne. Vers 1820, des artisans comme Christian Friedrich Ludwig Buschmann créent les premiers prototypes, appelés parfois « Aura » ou « Mundäoline ».

Cependant, c’est Matthias Hohner, en 1857, qui industrialise véritablement l’harmonica et en fait un succès international. L’entreprise Hohner est aujourd’hui encore l’un des plus grands fabricants au monde.

Durant la seconde moitié du XIXᵉ siècle, l’harmonica s’exporte massivement vers les États-Unis, où il deviendra un pilier du blues, du folk et plus tard du rock. Des artistes légendaires comme Little Walter, Sonny Boy Williamson et Bob Dylan l’ont intégré à leur style unique, contribuant à son image iconique.

Les différents modèles d’harmonica

Il existe plusieurs types d’harmonicas, chacun adapté à des styles de musique et des techniques spécifiques :

L’harmonica diatonique
Le plus courant, souvent accordé en do majeur (C). Utilisé principalement en blues, folk et rock. Il a une tessiture limitée à une gamme majeure, mais grâce à des techniques comme le bending (altération des notes), on peut jouer des notes supplémentaires.

L’harmonica chromatique
Équipé d’un bouton poussoir qui permet de jouer toutes les notes de la gamme chromatique. Idéal pour le jazz, la musique classique ou la pop sophistiquée. Ce modèle donne accès à toutes les tonalités sans changer d’instrument.

L’harmonica tremolo
Il possède deux anches par note légèrement désaccordées, créant un effet vibrant, proche du chant. Souvent utilisé dans la musique traditionnelle asiatique et européenne.

L’harmonica octave
Similaire au tremolo, mais les deux anches par note sont accordées à une octave d’écart. Cela produit un son plus riche et plus plein.

L’harmonica basse et accordéon
Utilisé dans les ensembles d’harmonicas pour produire les lignes de basse ou accompagner avec des accords. Plus grands et plus lourds que les harmonicas standards.

Comment est constitué un harmonica ?

Un harmonica est un instrument d’une grande simplicité apparente, mais d’une précision remarquable :

Le peigne (corps) : C’est la partie centrale, avec des canaux qui dirigent l’air vers les anches. Traditionnellement en bois (par exemple en poirier ou érable), il peut aussi être en plastique ou en métal pour plus de durabilité.

Les anches : Ce sont de petites lamelles métalliques (souvent en laiton) fixées sur des plaques. L’air les fait vibrer pour produire le son. Chaque canal peut comporter une anche soufflée (en expirant) et une anche aspirée (en inspirant).

Les plaques d’anches : Plaques métalliques sur lesquelles les anches sont fixées. Elles sont vissées ou clouées au peigne.

Les capots : Deux coques métalliques ou plastiques qui protègent les plaques et améliorent la projection sonore.

Chaque harmonica est accordé précisément, et de nombreux modèles permettent un entretien facile : il est ainsi possible de remplacer des anches, d’accorder l’instrument ou même de personnaliser le son.

Quel est le répertoire principal de l’harmonica ?

On entend tout de suite Il était une fois dans l’Ouest avec l’homme à l’harmonica (un des personnages du film est surnommé de cette manière, et joue à l’harmonica un thème devenu célèbre composé par Ennio Morricone, ndlr). On entend le western. Mais c’est une erreur, il n’y a pas que ce style-là à disposition. L’harmonica s’intègre dans tous les répertoires musicaux. Cela va de la musique actuelle, moderne, urbaine, à de la musique beaucoup plus traditionnelle. Du blues au rock, jazz, country, soul, gospel…, il y a de l’harmonica absolument partout. Et ce qui est incroyable avec cet instrument, c’est qu’il se fond dans l’univers dans lequel il est accueilli.

L’harmonica, avec sa simplicité et sa profondeur émotionnelle, continue de captiver les musiciens et le public à travers le monde. Qu’il s’agisse de jouer un blues plaintif dans un club enfumé ou une mélodie joyeuse en pleine nature, ce petit instrument a su s’imposer comme un véritable pilier de la musique populaire mondiale.

Que vous soyez débutant ou joueur confirmé, l’harmonica vous offre un univers musical à portée de souffle.

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Le mois d’août s’avère toujours un moment de réflexion pour les parents qui veulent choisir des activités enrichissantes pour leurs jeunes enfants inscrits au préscolaire ou au primaire. Parmi les options qui s’offrent à eux, il y a bien entendu les jeux et les sports, qui procurent un développement physique et social essentiel. Mais une autre activité est reconnue pour sa contribution à la réussite scolaire.

Les bienfaits de la musique sont prouvés

La musique est un excellent modèle pour étudier et comprendre le fonctionnement du cerveau. De nombreuses équipes de recherche d’un peu partout dans le monde ont donc examiné l’effet de la musique sur le cerveau des jeunes. Étant moi-même à la fois musicien et journaliste scientifique, j’ai écrit un livre sur ces liens fascinants. Dans mon ouvrage Le cerveau et la musique, je cite un chercheur québécois de renommée mondiale dans ce domaine, Robert Zatorre, de l’Université McGill, qui affirme que « la performance musicale est l’un des défis les plus complexes et exigeants sur le plan cognitif que l’esprit humain peut entreprendre ».

De nombreuses régions du cerveau entrent en jeu dans l’exécution et l’interprétation d’une pièce à l’instrument : le cortex visuel, à l’arrière de la tête, et le cortex moteur, sur le dessus, servent à lire et à interpréter une partition. Mais surtout, le cortex auditif, sur les côtés, permet d’entendre et d’ajuster l’exécution des notes que l’on produit. Sans parler de toutes les régions de notre système limbique, au cœur du cerveau, pour exprimer les émotions et ressentir le plaisir que cela apporte. La recherche scientifique démontre que plus on apprend la musique jeune, dès l’âge de 4 ans, plus grands en sont les bienfaits pour le cerveau.

La musique et le langage

La musique est la mère de toutes les langues. Les scientifiques s’accordent pour dire que l’émergence de la musique celle qui a d’abord utilisé la voix humaine et les rythmes a permis à l’Homo sapiens que nous sommes d’établir une cohésion sociale autour des grands rituels que sont l’amour, la chasse, les récoltes et la guerre. Le langage a suivi pour nommer les choses et transposer le récit de nos vies en sons compris et partagés par tous. Il y a donc un lien étroit entre le langage et la musique.

En fait, les tout-petits commencent à apprendre une langue comme s’il s’agissait d’une musique. Ils décodent la mélodie et le rythme du langage avant même de comprendre le sens des mots. On a découvert que les enfants qui jouent de la musique à un jeune âge acquièrent plus facilement le langage. L’explication se trouve dans la grande plasticité de leur cerveau, car le nombre de neurones et de leurs connexions est en explosion à cet âge.

La musique et la réussite scolaire

La recherche scientifique démontre également qu’un enfant qui entreprend tôt une formation musicale voit une amélioration de sa mémoire verbale et de ses capacités de lecture, et qu’il apprend plus facilement les langues secondes. De nombreuses études ont établi que la pratique de la musique favorise la réussite scolaire de façon générale.

Par contre, cette activité régulière ne semble pas faire augmenter le quotient intellectuel de l’enfant. Trop de facteurs entrent en ligne de compte pour tirer de telles conclusions, notamment la génétique, le milieu familial, les autres activités de l’enfant, la méthode d’enseignement et j’en passe. Pourtant, de nombreux parents ont longtemps cru que l’effet Mozart — la simple écoute de la musique de Mozart pour améliorer le Q.I. de leurs enfants — était une solution facile. Comme les chercheurs l’ont par la suite démontré, il n’en est rien.

L’expérience de Kent Nagano et l’OSM

Nous avons la chance d’avoir ici même au Québec un projet concret témoignant de l’effet positif de l’apprentissage de la musique chez les tout-petits. En 2016, l’ancien directeur musical et chef de l’Orchestre symphonique de Montréal, Kent Nagano, a démarré, avec l’Université de Montréal et la commission scolaire de la Pointe-de-l’Île, un programme d’éducation musicale, « La musique aux enfants », à l’école Saint-Rémi.

Il s’agit d’enseigner la musique de façon régulière et soutenue aux enfants de quatre et cinq ans. Les 200 participants au programme font 30 minutes de musique par jour avec un mélange de chant choral, de pratique d’un instrument — le violon ou le piano — et d’exercices de rythme. Les observations préliminaires après cinq ans de formation sont positives. Selon la gestionnaire principale du programme, Geneviève Bigonnesse, on constate une augmentation de la concentration, un meilleur apprentissage du français, une estime de soi renforcée et un attachement à l’école.

En conclusion, maestro Nagano, qui a commencé sa formation musicale à l’âge de quatre ans, résume bien les intentions profondes derrière cette démarche : « Offrir l’apprentissage de la musique aux enfants, c’est insuffler l’espoir et le sentiment que tout est possible. »

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